ROSCO WORLD

2007-01-25T13:06:00.000-08:00

TV ON THE RADIO

Empezaron en 2003 versionando a los Pixies a capella y han terminado en 2006 grabando con David Bowie. TV on the Radio combinan el noise de los 90 con el soul de Marvin Gaye, el Doo Woop de los 50, y la concepción de la muralla de sonido de Phil Spector, e incluso la elegancia de Massive Attack.

Nada de post-punk ni avant-rock al uso, a TV on the Radio les gusta meter capas y capas de sonido en cada una de sus canciones combinando todo lo que conocen de manera que puedas escucharlas cien veces sin llegarlas a descubrir del todo. Se ha llegado a decir que su “Desperate youth, blood thirsty babes” (Touch & Go, 04) era el “What’s goin’ on”de la era Bush, algo desproporcionado, sí, pero da una sensación muy aproximada del interés que está levantando esta banda que, como mínimo, es capaz en 2006 de sonar como no lo hace nadie en el mundo.

Canciones Para Volverse Completamente Loco

01. Pharoah Sanders - Creator Has A Master Plan
02. OCS - Guilded Cunt
03. Diane Cluck - Easy To Be Around
04. David Bowie - V2 Schneider
05. Led Zeppelin - Kashmir
06. Henryk Górecki - Symphony No. 3, Op. 36 ("Symphony of Sorrowful Songs")
07. Grizzly Bear - Fix It
08. The Ronettes - Be My Baby
09. B.A.R.R - Like I Used To See
10. Charlemagne Palestine - Schlongo !!!

www.tvontheradio.com

The Delgados

The Delgados, 1994 - 2006. El círculo se ha cerrado y una de las últimas cosas que ha hecho Alun Woodward como frontman de Delgados ha sido responder al cuestionario de Aygolive. ¿Irónico? No, los Delgados siempre han cuidado la inmediatez y el detalle desde sus planteamientos de pop épico (a veces ruidoso) y desde el cuartel general de su sello Chemikal Underground de Glasgow.

Niños mimados del NME y de John Peel desde sus inicios, los Delgados nos han regalado una colección de discos irregular pero con cimas muy altas en las que estuvieron muy cerca de conseguir eso que buscaban : la canción de pop perfecta envuelta en arreglos inmensos que podían rivalizar con los delirios multicolores de The Flaming Lips, no en vano Dave Friedmann (Mercury Rev) estuvo detrás de los controles de “The Great Eastern” (Beggars Banquet, 00).

Ahora sólo queda el recuerdo de unos conciertos impecables y la edición a tiempo de “The Complete BBC Peel Sessions” llena de emociones que cada día parecen más grandes.

CANCIONES QUE ME RECUERDAN QUE SOY HUMANO

01. The Sugarcubes - Birthday
02. Pavement - Summer Babe
03. The Incredible String Band - A Very Cellular Song
04. Moondog - Lament 1
05. Yann Tiersen - Les Jours Tristes
06. Stereolab - French Disko
07. The Royal We - All The Rage
08. Baden Powell - Lamento
09. The Vaselines - Oliver Twisted
10. Gavin Bryars - Jesus Blood Never Failed Me Yet

www.thedelgados.co.uk

2007-01-25T12:35:00.000-08:00

THE RADIO DEPT "El Mejor Pop Es Sexualmente Ambivalente"

Con su segundo disco Pet Grief, trío sueco ha conjugado con superior sabiduría los guitarras saturados de My Bloody Valentine con el sentido de la épica triste de unos Pet Shop Boys recién licenciados en la universidad de la nostalgia.

Tres años entre Lesser Matters y Pet Grief. ¿Qué ha cambiado desde entonces hasta ahora ?
Principalmente, somos un poquito más viejos e inteligentes. Y tenemos mejor gusto. Básicamente, todo sigue igual, tuvimos un período de nuestra vida en el que estuvimos completamente apartados del mundo musical, pero aquí estamos de nuevo. Intentamos mantener a la banda en un nivel amateur, muy en el estilo del ‘do it yourself’. Seguimos produciéndonos y mezclando nuestro trabajo en casa, en un PC normal y corriente. Yo mismo hago las portadas de los CD. Eso sí, un poco más sofisticados sí que somos.

Hay un cambio visible en vuestro EP This Past Week publicado el año pasado. Del shoegazer al dream pop, cercano a las melodías típicas del synthpop. ¿Cuál es la razón de ese cambio?
Es muy importante para nosotros ser modernos. No es que estemos a la caza y captura de cada nueva tendencia, sin embargo, en lugar de hacer el mismo disco una y otra vez nos forzamos a tener nuestra propia idea de modernidad en el mundo. Esa es la razón de porqué nuestros discos no suenan siempre igual. Además, intentamos provocar a la gente presentándonos de una manera diferente a la que se espera de nosotros.

¿Debemos tener mala suerte en el amor para hacer bonitas canciones?
No. Pero ayuda.

¿Cuáles eran tus ídolos de la adolescencia? ¿Que querías ser de mayor?
Tenía muchos ídolos en mi adolescencia, y me cuesta nombrártelos porque eran reemplazados constantemente. Cuando tenía quince años me encantaban Oasis y cosas así. Me gustaba su arrogancia y su manera de vestir.

Dos años más tarde descubrí a Stereolab, y Daft Punk sacaban su primer disco, que me impresionó bastante. Luego vinieron Belle And Sebastián y montones de indie de los ochenta, como los escoceses Orange Juice, la banda de Edwin Collyns. No puedo recordar lo que quería ser de mayor antes de los diez años. A esa edad fue cuando formé mi primera banda.

¿Qué música escuchabas mientras te ocupabas de “ Pet Grief ”?
Prefab Sprout, Xinli Supreme, M.I.A., Rick Astley, Gregory Isaacs, Saint Ettienne, Charles Aznavour, Bach, Hypo, Chet Baker, Marc Almond, Snoop Doggy Dogg, My Bloody Valentine…

Ateniéndote al resultado… ¿Es “ Pet Grief ” el disco que esperabas?
No, pero aún así estoy muy orgulloso del resultado. Pensé que había conseguido hacer un disco muy, muy pop. Pero al escucharlo ahora, se me revela como un trabajo sosegado, melancólico y realmente triste. La grabación de Pet Grief coincidió con una de las peores etapas de mi vida. No me di cuenta en ese momento. Y ahora cada vez que lo escucho, me la recuerda.

Una de vuestras influencias más importantes son los Pet Shop Boys, sobre todo en este último disco. ¿Por qué crees que nunca serám considerados una banda seria? ¿El uso de electrónica y pop está relacionado con la adolescencia o la inmadurez? ¿Por qué una banda de Post Rock o de vanguardia es vista como algo serio y, en cambio, no ocurre lo mismo en bandas synthpop o electropop?
Yo creo que actualmente ya hay bastante gente que se toma en serio a los Pet Shop Boys. El problema radica en que vivimos en un mundo primordialmente heterosexual y la escena alternativa es tan solo un ligero reflejo de esa sociedad. No es la gran oposición o el revulsivo que se le pretende.

Muchos periodistas musicales reproducen la idea conservadora de que el rock autentico y “de verdad” esta representado en iconos sudorosos, masculinos y heterosexuales como Bruce Springsteen, por ponerte un ejemplo, mientras bandas como el dúo británico, que tiene sus raíces en lo que habitualmente se toman como géneros gay o destinados a las chicas como la música disco o el synthpop, aunque también apuntan al cabaret y la música clásica, son considerados “de plástico”, o simple y llanamente “falsos”.

Me jode enormemente todo esto, y muchas veces se me ha venido a la cabeza la idea de quemar mi guitarra en público como protesta, aunque no me lo puedo permitir. Es una vergüenza, en serio. Pienso que el mejor pop es sexualmente ambivalente.

¿Y qué es realmente “de plástico” o “autentico”? Yo quiero que me mientan cuando escucho música. No me importa una mierda la “verdad” si toda ella se parece a cosas como The White Stripes. Música hecha para anuncios de pantalones vaqueros. Habiendo dicho todo esto, he de añadir que “Growing Up” de Bruce Springsteen es una canción brillante.

http://www.theradiodept.frih.net

2006-12-29T13:09:00.000-08:00

ROSCO BLOG : BALANCE 2006

Desde siempre la MUSICA significo algo importante para mi, no solo por melómano sino porque gracias a ella me eduque, descubrí el CINE, LIBROS (pocos pero que me marcaron) y lo mas importante, la MUISCA siempre me arrastro a pensar, a hacerme preguntas, a imaginar y eso lo agradezco, espero que el blog les produzca lo mismo que a mi y sino que al menos lo haya intentado.-

DISCOS DEL AÑO

The Strokes - First Impressions Of Earth
Placebo - Meds
Belle & Sebastian - The Life Pursuit
Mansun - Singles
Grandaddy - Just Like Fambly Cat
The Charlatans - Simpatico
Elefant -The Black Magic Show
Yeah Yeah Yeahs - Show Your Bones
The Streets - The Hardest Way To Make An Easy Living
Calexico - Garden Ruin

Isobel Campbell & Mark Lanegan - Ballad Of Broken Seas
Monsieur Gainsbourg Revisited - Various Artists
Marie Antoinette Soundtrack - Various Artists
Loose Fur - Born Again In The USA
Phoenix - It's Never Been Like That
Destroyer - Destroyer's Rubies
Radio 4 - Enemies Like This
Gil Mantera's Party Dream - Bloodsongs
El Columpio Asesino - De Mi Sangre A Tus Cuchillas
I Love You But I've Chosen Darkness - Fear Is On Our Side

La Buena Vida - Vidania
Camera Obscura - Let's Get Out Of This Country
CatPeople - Reel 1
Pony Up! - Make Love To The Judges With Your Eyes
Pinback - Nautical Antiques
Tortoise - A Lazarus Taxon
The Lemonheads - Lemonheads
Xiu Xiu - The Air Force
Arab Strap - Ten Years Of Tears
The La's - BBC In Session
The Decemberists - The Crane Wife
Arab Strap - Ten Years Of Tears

The Radio Dept - Pet Grief
Asobi Seksu - Citrus
Mercury Rev - The Essential (1991 - 2006)
Yo La Tengo - I Am Not Afraid Of You And I ...
Yo La Tengo - Yo La Tengo Murder The Classics
The Black Angels - Passover
Explosions In The Sky - How Strange, Innocence
Film School - Film School
Psychic Ills - Dins
Her Space Holiday - Astronauts Are Sleeping Vol. 1 & 2
Sonic Youth - Rather Ripped
Sonic Youth - Destroyed Room B Sides & Rarities
TV On The Radio - Return To Cookie Mountain
Astrobrite - White Noise SuperStar
The High Violets - To Where You Are
Ambulance LTD - New English EP
Mogwai - Mr. Beast
Liars - Drum`s Not Dead

The Melvins - A Senile Animal
TooL - 10,000 Days
Deftones - Saturday Night Wrist
Eagles Of Death Metal - Death By Sexy
Mudhoney - Under A Billion Suns
Ministry - Rio Grande Blood

POR ACA

Juana Molina - Son
Maria Fernanda Aldana - Dios Te Salve Maria
Aguas Tónicas - Aguas Tónicas
Los Natas - El Hombre Montaña
Bicicletas - Bicicletas
Lara La - Lara La
Pez - Hoy
Rosario Blefari - Misterio Relámpago

SOLISTAS

Jarvis Cocker - Jarvis
Charlotte Gainsbourg - 5 55
Benoît Pioulard - Précis
The Divine Comedy - Victory For The Comic Muse
Cat Power - The Greatest
Beck - The Information
Darkel - Darkel
Adam Green - Jacket Full Of Danger
Gothic Archies - The Tragic Treasury
Barry Adamson - Stranger On The Sofa
Thom Yorke - The Eraser
Stuart Staples - Leaving Songs

ELECTRONICA

Boards Of Canada - Trans Canada Highway EP
Aphex Twin - Chosen Lords
Jimmy Edgar - Colorstrip
Matmos - The Rose Has Teeth In The Mouth Of A Beast
James Figurine - Mistake Mistake Mistake Mistake
Nathan Fake - Drowning In A Sea Of Love
The Russian Futurists - Me Myself And Rye
Tiga - Sexor
Electric President - Electric President
Christopher Willits - Surf Boundaries
Helios - Eingya
MSTRKRFT - The Looks
Miss Kittin - A Bugged Out Mix By Miss Kittin
Magda - She's A Dancing Machine
The Knife - Silent Shout
The Knife - The Knife

CANCIONES DEL AÑO

The Radio Dept - The Worst Taste In Music.
The Radio Dept - Every Time.
Ambulance LTD - Country Gentleman.

PEORES DISCOS

TODOS LOS DE CALAMARO Y EL ROCK CHABON.
AIRBAG Y TODA LA MIERDA NEW METAL PUNK TEEN

RECITALES

Hacia 2 Veranos, Atrás Hay Truenos, El Bicho Bolita en la Curtiembre
Atrás Hay Truenos + Gato Negro en la Escuela de Música
ORION + HONGO + ANOTHER FREAK en DOMINGO DE TERCIOPELO
El Viento Enloquece A La Gente en CIRANO.

ROSCO SE PREGUNTA ?

Que es la Electrónica hoy para algunas Radios FATBOY SLIM, CHEMICAL BROTHERS y DJ DERO ?

Hoy todo es MINIMAL pero alguien sabe de lo que estamos hablando ?

Que casualidad que a todo el mundo le gusta JOY DIVISION ?

No se cansan las bandas de ROCK NACIONAL de afanarle a LA RENGA, LOS RATONES PARANOIOS y a CALAMARO ?

Porque mi abuela sabe mas de ROCK NACIONAL que yo ?

Vestirse con la ropa de la BOND STREET es ser PUNK ?

Porque MIRANDA me parece una mierda y los NERD KIDS unos Miranda con guitarra ?

La Gente alguna vez escucho los Nombres : MASSACRE, ESTUPENDO - CIENFUEGOS - FLAVIO ETCHETO - PEZ - FRANCISCO BOCHATON - CARCA - EMISOR O LOS NATAS.

CINE

LO MEJOR

El Sabor Del Té (Katsuhito Ishii)
Flores Rotas (Jim Jarmusch)
Hierro 3 (Kim Ki Duk)
Tarnation (Jonathan Caouette)
Lonesome Jim (Steve Buscemi)
Dumplings (Fruit Chan)
Fantasma (Lisandro Alonso)
Nacido y Criado (Pablo Trapero)
Escondido (Michael Haneke)
El Niño (Jean Pierre y Luc Dardenne)
V de Venganza (James McTeigue)

LO PEOR

BAÑEROS 3 SUPERPODEROSO
AMANDO A MARADONA

TV

LO MEJOR

ISLA FLOTANTE (Fernando Peña)
SEINFELD
SIX FEET UNDER
EL OJO
SIN RESERVAS : Anthony Bourdain
EL GOURMET
TV REGISTRADA

LO PEOR

TODO LO DEMAS

EL 2006

LO BUENO

ROSCO BLOG
INTERNET
DOMINGOS DE TERCIOPELO
NOCHES DE BUENA COMIDA, CHARLAS Y AMIGOS
UNA CHICA DE BsAs

LO MALO

GENTE BUENA QUE SE FUE
NO ENCONTRAR UN LABURO DECENTE
SALIR POCO Y NO ENCONTRAR NADA AFUERA
EL MUNDIAL
LA TV
BAILANDO Y CANTANDO POR UN SUEÑO
REVISTA ROLLING STONE ARG.
MARADONA
ALGUNOS ESPECIMENES FEMENINOS

SITIOS

http://www.regnyouth.com
http://www.katarsis-net.com.ar
http://rukasu-blogger.blogspot.com
http://mamushkadogsrecords.blogspot.com
http://www.super45.cl
http://www.zonaindie.com.ar
http://malelemento.blogspot.com

LECTURAS
INTERNET

RADIO
MAL ELEMENTO - InrocksAndPop (FM Rock & Pop).
RADIOS ON LINE

SI PUDIERAS, DONDE TE GUSTARIA VIVIR
CANADA o EUROPA.

IT's PERSONAL

Este año que se va no me deja una buena impresión, desde el comienzo todo empezó a perfilarse MAL, momentos buenos otros no tantos, pero se continua
y a pesar de todo solo quiero lo mejor para este 2007 que se avecina.

En este ultimo tiempo he conocido personas gente que me ha sorprendido y otras que simplemente me dan la impresión de sufrir un exceso de atención, veo gente con talento y creatividad que no tiene vínculos personales, o un lugar donde exponer su arte, mientras todo se desarma, traer una Banda o un Artista de BsAs parece ser la única oportunidad de salir al ruedo a mostrar lo que se hace en la zona.

RELATIONS

Me he cruzado con no mucha gente (de forma personal o MSN) y con las que mejor me han ido son personas del Interior del país o del Exterior, de manera mas local el fracaso es rotundo, mucha estupidez y pavada rodeada con celular, vuelteras e histéricas, todo complicado, mi corazón esta en BsAs, y la decepción en Neuquen.

FIN DE SEMANA

Salir es un problema y sacando algún que otro pub o boliche la oferta es pobre o nula. Ver y escuchar música sigue siendo un problema constante, valoro mucho las pilas de muchas Bandas y Solistas que generan eso porque de los lugares o existentes las ofertas no siempre es la mejor.

Podes Ir a 10 PUBS en una noche y no hay un cambio de aire, falta variedad en lo musical, no todo es Electrónica, Reggaeton o Rock de cartón, DONDE ESTA EL LADO B de LA MUSICA, donde esta el riesgo si todos ponemos lo mismo, donde esta el buen gusto, parece que a muchos se les fue con la cerveza.-

CIPOLLETTI

NO HAY CULTURA DE NADA, NO HAY CINE, NO HAY RECITALES, NO HAY EVENTOS, y estar en ONDA es ir a un Pub donde para entrar hay que pertenecer, o mostrar clemencia ante un tonto código de pueblo. En resumen una CIUDAD CAVERNICOLA.-

NEUQUEN

Me gusta Neuquen, porque tengo amistades valiosas allá y hay una apertura mental mayor sobre mi ciudad, hay algunos descuidos, pero se siente otra energía, y al menos las propuestas son mas interesantes.

EL ROCK & LA MUSICA EN EL 2006

Hoy todo el mundo se llena la boca hablando de que el ROCK esta muerto, y que MTV esto y aquello, pero nadie se preocupa por Informarse, investigar en Internet, escuchar Radios On Line, hoy la gente quiere todo en bandeja de plata, y eso no sirve, todo esto solo promueve una domesticación en donde uno pasa a ser del montón.

Tanto en el ROCK como el ELECTRONICA me sucede lo mismo, hay cosas que rescato y otras me parecen una mierda, como siempre hay que investigar, lo mas visible es casi siempre lo mas bajo.

La Música hoy esta FARANDULIZADO, por mas Revistas, Festivales que le pongan, no veo algo realmente jugado, todo pasa por una actitud condescendiente, siempre esta todo bien y en realidad esta todo mal.

De chico uno compraba Revistas Nacionales e Importadas, Grababa Cassettes con Cosas de la Radio, no había INTERNET y había que Rebuscárselas, hoy se perdió la curiosidad, mientras mas ignorante mejor.

Si todo esta perdido, creo que no, pero de TODOS nosotros depende mejorar el estado actual de una situación que se tiene que revertir de una buena vez, no se puede esperar sacar algo interesante si solo pensamos que lo mejor viene de BsAs, mientras talentos que hay en la zona se pierden, busquemos entre todos la manera de ver como canalizar esa energía en FESTIVALES, RECITALES, MUESTRAS DE ARTE U OTRO AMBITO DE EXPRESION.

Aprovechemos, a esta Gente y a su Arte antes que se agote o simplemente sea demasiado tarde.-

PD & Agradecimientos : Mis Padres (Frank & Esther Costanza), El Duende, Martín, Rulo, Lily & Chely, Villegas Family, Atrás Hay Truenos, Hacia 2 Veranos, Sandra (Gracias por Todo).-

FELIZ 2007 PARA TODOS, ROSCO.-

2006-12-09T13:11:00.000-08:00

The Jesus & Mary Chain : Black Noise

Hace más de una década que los hermanos Reid patearon el tablero con "Psychocandy", un disco para la historia de los ochenta. Después, otras tantas tormentas eléctricas y... un largo silencio, roto recién ahora con "Munki", un volumen de nuevas canciones fantasmagóricas tan atractivas como siempre. Aquí, el artista conocido como “el locuaz de la familia” (se sabe, William no habla) explica por qué y cómo es que siguen insistiendo con su medicina dark.

”Yo sabía que Argentina iba a seguir adelante e Inglaterra quedaría afuera. Me hubiera gustado que ganara Inglaterra, porque no soy uno de esos escoceses que odian a Inglaterra. Pero sabía que iba a ganar Argentina... y no era el único: la mayoría de la gente en Londres quería que ganara la selección, pero todos tenían la sensación de que finalmente Argentina iba a ganar”.

Jim Reid abre el juego hablando de una de sus pasiones, y a caballo del recuerdo aún fresco del Mundial de Francia le dedica un parrafito a su Selección. “Salvo por ese último partido frente a Marruecos, Escocia no anduvo tan mal. Contra Brasil y Noruega jugaron bien. Estoy conforme”.

Otra de las pasiones de Jim Reid en rigor, la principal es la música. Y es que Jim significa también William Reid, una dupla que a su vez significa The Jesus & Mary Chain. En actividad desde 1984, el grupo que le dio un giro definitivo al pospunk con Psychocandy, y que supo cultivar un buen monto de salvajadas diversas, acaba de dar una señal de buena salud con Munki.

Un disco en el que se acercan un poco más a esa expresión de pop lijado por el punk que hay varios que parecen haberlo olvidado ellos ayudaron tanto a patentar. Un disco con las cualidades que J&MC, ahora completado por Ben Lurie y Nick Sanderson, nunca descuidaron : guitarras vibrantes y envolventes, voces subterráneas, sonido duro, directo. Y con el agregado de las voces femeninas de Hope Sandoval (ex Mazzy Starr, también participante del anterior Stoned & Dethroned) y Sister Vanilla, que le ponen un especial sello a “Moetucker” y “Perfume”. Un típico producto de la cadena de Jesús y María.

¿Qué pensás cuando alguien dice “Psychocandy es el disco de J&MC, el disco de los 80”?
Es difícil, porque es un disco de mi banda, y me cuesta verlo de esa manera... Pero creo que fue importante en varios sentidos, le hizo entender a la gente que la música era algo que todos podían alcanzar. Que si querías podías empezar con una banda, crear cosas. Que no se trataba de conocimientos o habilidades técnicas, sino de darse una oportunidad a la propia imaginación. Eso fue lo más importante.

Un postulado netamente Punk.
Sí, porque el punk nos hizo dar cuenta de lo que podíamos dar, creó una situación en la que había montones de grupos conformados por gente común, de la calle, y entonces todos veían eso y se pensaban: “Eh, yo también puedo estar en una banda, no es algo completamente extraño a mi entorno, si quiero puedo ir y sacar un crédito y comprarme una guitarra, aprenderme unos acordes, entrar a una banda y tocar”. Y eso es algo que no se olvidó.

¿Por qué la vuelta a Creation Records, vuestro primer sello?
Queríamos irnos de Warner desde hace tiempo. Con ellos todo lo que esperábamos era que nos dejasen solos para hacer lo que hacíamos, luego que editaran el disco y que lo promocionaran. Y creo que no les gustaba estar tan poco involucrados, ninguna función más que la puramente industrial.

Creo que están más acostumbrados a trabajar con aquellas bandas que no tienen confianza en sí mismas, a las que pueden decir qué vestir y cómo sonar, y nosotros no somos así. Parecían tener miedo de nosotros, de verdad.

¿Se sienten libres de nuevo?
Para ser honesto, siempre me ha gustado el modo de trabajar de Creation. Estar en Creation significa que puedes hacer lo que quieras, del modo que quieras, y eso es fundamental. Con cada disco estás diciendo: ‘Éste soy yo y ésta es mi personalidad’. Y si dejas que la gente te cambie o que pueda opinar sobre tus discos, empiezas a perder tu identidad. También me gusta de Creation eso de que vas allí y están poniendo discos mientras trabajan y hablan y te preguntan sobre ellos. De verdad les gusta la música, y eso es importante para nosotros.

Tengo entendido que durante la grabación ha habido más de un problema.
Es divertido porque la idea de este disco era que lo hacíamos en tres semanas y luego lo publicábamos un mes después. Nos habíamos dado cuenta de que nunca habíamos hecho un disco que sonase como si hubiese una banda en ello y de que justo eso era lo queríamos hacer. Y entonces todo se volvió una pesadilla. Empezamos con algunas canciones para no volver a ellas hasta años después. Mi hermano William y yo casi acabamos asesinándonos durante el proceso. Lo que nos ocurre ahora es que no nos cortamos en absoluto, somos tan honestos el uno con el otro que la gente alucina.

¿Siguen buscando la simplicidad ?
Todavía hay mucho que hacer en la música pop, todavía quedan muchos caminos por pisar. Y el día en que no se nos ocurran más ideas sobre cómo hacerlo, eso será todo, se acabó, prueba superada. Aún recuerdo cómo me capturó por primera vez la idea de la canción pop de tres minutos, cómo algo tan inmediato puede durar tanto en el tiempo. Ya sabes : aún me encantan los singles de los Buzzcocks del 77, siempre estarán conmigo. Creo de verdad que la música pop permanecerá para siempre.

¿Y seguís pensando que el 99% de la música es basura?
Siempre ha sido así. La gente me dice que odio la música porque me estoy quejando de ella todo el rato, pero la amo. Lo único es que me doy cuenta y acepto que la mayoría de la música es una auténtica basura, y eso es bueno, porque toda esa mierda hace que lo bueno suene mejor.

¿Y cómo llevas lo de la integridad en el Rock N' Roll?
Hacerse importante por el hecho de serlo no significa nada para mí. Solía decir que queríamos ser importantes para poder llevar nuestra música a los estadios y cambiarla para siempre, enfrentar a todo el mundo a algo tan puro que todo sufriese una alteración después de 1987. Pero cuando descubrimos que estábamos rodeados por gente a la que ni siquiera le gustaba la música, nos deprimimos seriamente.

Si sólo se trata de dinero o de fama, si te olvidas de la música, entonces no tiene sentido ni utilidad. Si eso es lo que te mueve, es que no tienes alma. Nuestra actitud sobre este tema es lo que nos convierte en la última banda de rock and roll.

¿Se sientes más jóvenes que ayer o es la madurez la muerte del pop?
Creo que mi hermano William siente que ha madurado un poco, pero yo me niego. Quiero agarrarme a esa inocencia y a esa humildad previa a la música. No quiero sentir nunca que soy un compositor genial ni actuar con pomposidad al respecto.

Por ejemplo, me encanta Van Morrison, pero odio la manera en que se comporta, con esa actitud de ‘bésame el culo’, es triste y vergonzoso.

¿Hay una actitud distinta a la hora de presentar un nuevo disco?
Siento como si hubiésemos estado empujando una enorme piedra hasta lo alto del Everest, )sabes? Y ahora sólo quiero que la piedra caiga, quiero poder caminar hasta lo alto del jodido Everest, un cambio. Quiero ser como Nick Cave, que ha hecho lo que ha querido. Hace lo que quiere y tú, o lo aceptas como es o te olvidas. Y la gente lo acepta. Eso es lo que querría para nosotros.

Munki abre con “I Love Rock and Roll”, que escribiste vos, y cierra con “I Hate Rock and Roll”, que es de tu hermano. ¿Son una especie de par perfecto, yin y yang o algo así ?
Se puede ver de ese modo y tiene sentido. Pero también tiene sentido si se lo ve en función de algo así: cuando yo digo “amo el rock and roll” estoy hablando específicamente de la música, por qué tocamos, las razones que nos llevaron en un principio a estar en una banda. Cuando William dice “odio el rock and roll”, bueno... tiene que ver con esa filosofía de las compañías, que terminan dándole más importancia a lo financiero que a sus músicos y les faltan el respeto constantemente.

El disco trae también un homenaje específico, “Moetucker”. ¿No te parece que hay un montón de gente influida por Velvet Underground, pero muy poca que lo acepta?
Definitivamente. Hay mucha gente que a través de los años fue tomando inspiración de Velvet Underground. El problema es que era una banda increíblemente buena. Es muy difícil estar influido por algo así sin que sea una simple copia, y creo que por eso hay músicos que niegan esa clase de inspiración. De cualquier manera, aquello que te lleva a hacer música estará con vos siempre. Yo hago música por ellos, y por los Stooges, y por los Ramones, y los Sex Pistols, y no tengo problema en que la gente lo sepa.

Jesus & Mary Chain participó del Lollapalooza ‘92. ¿Cómo te sentís cuando giran por Estados Unidos? En varios sentidos, es un país medio jardín de infantes ...
Me gusta ir a Estados Unidos y tocar para ese público. Es un poco difícil definir a los estadounidenses, porque cada estado parece un país diferente. San Francisco es muy europeo, pero vas a Los Angeles y ni siquiera parece que fuera parte del planeta Tierra. Es un lugar extraño, pero al mismo tiempo creo que la cultura y la sociedad estadounidenses, a pesar de sus problemas, son muy interesantes.

En el siglo XX la cultura norteamericana produjo el rock and roll, el pop art, el blues, las películas de Martin Scorsese. Estados Unidos le ha dado mucho, culturalmente hablando, al siglo XX. A veces es difícil apartarse del costado estúpido de Norteamérica, las cheeseburgers y todo eso, pero hay mucho más que eso. Creo que en cien años la gente mirará a este momento y toda la idiotez se habrá olvidado, las hamburguesas desaparecerán y quedará el rock and roll y Andy Warhol y Scorsese.

¿Qué impresión te produce la difusión de la música electrónica en todo el mundo?
Para mí, en la música lo importante no es cómo se hace, sino lo vibrante que resulta. No creo que sea necesariamente nueva: uno puede recordar a Kraftwerk, que hacía eso en 1975. Pero se trata de empujar un poco los límites, y eso es bueno, y es bárbaro que haya gente haciéndolo.

Prodigy, particularmente, me resulta muy excitante. Puedo imaginar a un pibe de 16 años que ve a Prodigy, y eso le cambia su vida. Me recuerda a mi adolescencia, viendo a Sex Pistols. Probablemente Prodigy sean los Sex Pistols de esta época.

Jim Reid dice tener “sólo algunos recuerdos” de la noche en que The Jesus & Mary Chain tocó por primera vez en Argentina.

Era el 7 de julio de 1990, pleno y crudo invierno, y Obras Sanitarias semejaba una gigantesca heladera, una sensación profundizada por una asistencia de apenas 2500 personas. Fríos, también, fueron los hermanos Reid, que ganaron el escenario y lo abandonaron una hora después (¡menos que Prince!) sin pronunciar palabra.

De cualquier manera, no era necesario: lo del grupo fue demoledor, un vendaval ruidoso que se apoyó fundamentalmente en Psychocandy y el entonces flamante Automatic, distorsiones y rugidos cavernosos desde detrás de una nube punteada por flashes estroboscópicos. En el estadio de avenida del Libertador, la fauna dark que había salido de sus cuevas en honor a semejante rareza - hay que recordar que recién se estaba activando el panorama de shows internacionales que después se convirtió en sana costumbre- supo festejar como correspondía un show vibrante.

Y ese show sirvió como consuelo retroactivo cuando, al día siguiente, un maldito árbitro llamado Codesal cobró un dudosísimo penal dentro del área argentina, Goycochea no pudo repetir sus anteriores hazañas, y Alemania se quedó con la Copa del Mundo Italia 90. Un Bajón.

(*) 1998 (http://www.ultrasonica.esquinalatina.com)

2006-10-28T17:50:00.000-07:00

"SOY GÓTICO PERO AGUANTE EL DIÉ"

De entrada aclaro que soy muy ignorante respecto el tema, pero supongo que "lo gótico" debe ser un life-style (modo de vida), una filosofía, o algo por el estilo. Ahora me hago un par de preguntas ¿existen aca en la zona verdaderos góticos? La gente que dice serlo, ¿saben qué es, qué implica? Porque la verdad es que no creo que ser gótico sea escuchar The Cure, Bauhaus o Joy Division, maquillarte, usar delineador y tomarte una taza de sangre con medialunas a la hora del té.

DEJENSE DE HINCHAR LAS PELOTAS!! ACA HAY MUCHOS GOTIKOS TRUCHOS! Y lo escribo con la letra K, porque son tan grasas y mersas como las bandas de cumbia villera. Aca les doy algunos Tips de estos grasas que se creen o hacen llamar "Gótikos" :

- Usan maquillaje por coquetería, pero para que no los acusen de trolos dicen ser "Gótikos".

- Usan ropas que parecen sacadas del Mortal Kombat 4.

- En sus PCs, siempre adornan a los programas con "Skins" de pelados con hachas
manchadas con sangre.

- Cuando van a comer un bife de chorizo y le preguntan "¿Cómo lo quiere, maestro?", ellos responden "Sangriento".

- Cuando están con amigos preguntan : "¿A esa minita le gusta que yo use delineador? Porque sino me lo saco".

- Cuando juegan al futbol, no hacen "La Palomita", hacen "El Murcielago".

- Cuando están nadando no hacen "La Mariposa", hacen "La Mantaraya".

- Al pan siempre lo untan con paté de morcilla.

- Dicen ser góticos, pero son incultos, no saben conjugar 2 sílabas, miran Videomatch, el programa de Maradona, y las peliculas de Francella : MEGA-GRASAS!!!

- Cuando están con gente dicen escuchar solo música "Dark"(UUUUH que miedo), pero cuando están solos en sus casas escuchan "El Bordo", Pimpinela y demás grasadas cumbieras y rolingas : MEGA-GRASAS!!!

- Cuando se presentan ante alguien por primera vez, luego de decir su nombre dicen "Soy Gótiko".

Bueno, espero que estos Tips les haya servido para poder distinguir a los góticos de los "gótikos", estos rídiculos que quieren aparentar ser algo que ni ellos se lo creen. Espero haber sido lo suficientemente claro, porque esta nota no tiene intención de molestar a aquella gente que realmente es gótica, que lleva ese estilo de vida.
Por cierto, una pregunta : Yo desayuno bebés todos los días ¿Califico?
Besos sangrientos para todos!!!

PREPARACIONES PARA LAS CHICAS TOP QUE VAN AL BOLICHE

- Escuchan "Putita" de Babasónicos mientras se bañan.

- Pavean con el celular.

- Se depilan la argolla.

- Se manosean un poco.

- Se miran al espejo y dicen "Qué buena que estoy!!!".

- Se buscan la tanga que más se les meta en el orto.

- Pavean con el celular.

- Se pintan los labios de modo que dejen un lindo recuerdo a quienes les propinen un buen pete.

- Pavean con el celular.

- Se juntan a mirar videos de T.A.T.U.

- Fantasean con que se las cojan algún salamé latino de esos que aparecen en Much Music.

UNA VEZ EN EL BOLICHE :

- Empiezan a bailar entre ellas (el ya famoso "Baile Lésbico").

- Se pegan a algún viejo con plata para gastarle la tarjeta de crédito o para que les paguen unas vacaciones a Cancún.

- Pavean con el celular.

http://soydespreciable.blogspot.com

2006-10-28T06:00:00.000-07:00

LA EDUCACION EN EL LABERINTO

La colosal magnitud de la crisis moral y material que nos arrasa ciertamente conmueve a las personas mas preocupadas del país en procura de un remedio y un horizonte. No se trata de una tarea fácil, y muchas veces cunden el desaliento y el
pesimismo. ¿Donde esta el camino, cuales son las acciones que pueden ayudarnos y orientarnos, cuales debemos emprender?.

Para comenzar, nuestro país reconoce antecedentes históricos a los cuales es imperativo regresar para encontrar un modelo que nos inspire. Imaginemos la ARGENTINA de 1853, inmersa aun en la locura fratricida que signo buena parte de nuestra evolución.

Se formo entonces un proyecto nacional, que las generaciones inmediatas, no siempre reconocidas, llevaron a cabo para lograr la consolidación de los elementos básicos del Estado : Territorio, Población, Derecho y también Ordenamiento nacional de un maremagum de gente, Pasiones e Intereses contrapuestos que no facilitan la forma de la nación.

La educación popular, inexistente o al menos descuidada en los años previos, fue una herramienta esencial. Y fue precisamente a través de ella, del programa sarmientino, que el país creció vertiginosamente hasta lograr un esplendor que prolijamente hemos dilapidado, pero de cuyos reflejos aun vivimos.

Actualmente, si bien espasmódicamente, se advierte una saludable conmoción general : La sociedad se intranquiliza al advertirla degradación de un ámbito que fue su orgullo. Y se pregunta acerca de las razones de tal degradación : ¿A alguien le importa de verdad la Educación?, ¿Hubo al respecto un plan destructivo orgánico?, ¿Solamente desidia, ineficacia, aun estulticia en los responsables?, ¿Deterioro del docente, pauperizado y desmonetizado?, ¿Cambio de pautas culturales, ante el avance de un mundo de medios, imágenes, frivolidad?. No creo demasiado en las teorías conspirativas, pero si en la insidia y la desidia de muchos que - cualquiera que fuese sus intenciones - han logrado aniquilar una estructura educativa ejemplar.

Una vez cada tanto, la sociedad se conmueve al recibir una prueba tangible de nuestro esperpento educativo : los exámenes de la Facultad de La Plata, Mendoza o Córdoba, un desastroso informe de la UNESCO que nos humilla con estadísticas abrumadoras, ocupamos un deshonroso puesto 67 a nivel mundial en gasto educativo, o una fenomenal antología del disparate, particularmente en el terreno del conocimiento histórico.

Según algunas respuestas recogidas en LA PLATA, LA GUERRA FRIA parece haber sido una en la cual muchos soldados murieron por las bajas temperaturas, LA CAIDA DEL MURO DE BERLIN aplasto a HITLER, FIDEL CASTRO y MARIA ISABEL DUHALDE DE PERON fueron presidentes argentinos, etc.

Estas y otras afirmaciones resultan tan cómicas - SI NO FUESEN PATETICAS - que alguien podría pensar que tuvieron una intención provocadora. Pero seria demasiado bello para ser cierto. Implicaría sutilezas intelectuales de las que estamos lejos.

Ciertamente las causas son múltiples e intentare desbrozarlas. La familia actualmente deserta de su misión pedagógica, los arquetipos son reaplazados indignamente. La legislación educativa es arbitraria y odiosa. La brecha entre educación eficaz y educación para pobres se acrecienta. El maestro - huero de formación razonable - desaparece en la ecuación ENSEÑANAZA - APREDNIZAJE.

La ESCUELA se limita a contener y alimentar sin enseñara nada : el calendario escolar se regula por el turismo, el facilismo destruye todo esfuerzo, la promoción resulta casi automática, se repudian las sanciones por TRAUMATICAS, pero también
LOS PREMIOS. La mejor juventud emigra, se unitiliza para el país.

Al cundir una desesperante mediocridad, la lectura devino en un ámbito arcaico, el mal uso del lenguaje la aniquila. Los progresos tecnológicos, que deberían ser auxiliares pedagógicos esenciales, se convierten en cerriles enemigos. Se hace gala de la ignorancia, hay que ser LINDO, RICO y FAMOSO, la educación no interesa a los poderosos. Quizás en las palabras si, pero poco en los hechos.

Aunque todavía la excelencia resista en ciertos BOLSONES, la escuela primaria conserve algo de sacerdocio y ciertas universidades - como la calumniada UNIVERSIDAD DE BsAs - preserven una sorprendente eficacia, la crisis esta y se la ve.

Este proceso da la idea de estar prisioneros en un laberinto, como bien observa Rene Balestra. Se impone entonces una acción racional, un llamado al sentido común, que permita encontrar la salida.

Frente a esta CATASTROFE EDUCATIVA, como acertadamente la califica Guillermo Jaim Etcheverry, las personas están reaccionando, desde Instituciones como Academias Nacionales o las propias Esferas de Poder. Parece indispensable formular un diagnostico - en rigor, sobreabundan - y una terapéutica - esta menos manifiesta - que nos pongan en el difícil sendero de la recuperación mediante un proyecto concreto.

Tenemos elementos suficientes : una tradición gloriosa, una sorprendente
abundancia de MATERIA GRIS que compensa la sangría permanente de los mejores, de los que marchan incesantemente al exilio exterior o vegetan ene el exilio interior. Siempre aparece quien los supla, honre nuestra cultura, aliente nuestra esperanza en una suerte de inacabable reemplazo que, tememos, alguna vez se agote.

Frente a la enormidad de la catástrofe, parece que las autoridades han girado en una polea falsa. Se quiso demostrar actividad, presentar soluciones y solo se logro una agitación babelica. La modificación del SISTEMA DE PROMOCION, la discusión de teorías entre pedagogos que hace 20 años no dictan una clase, la reelaboración de contenidos, etc ..., son conductas totalmente intrascendentes.

Lo fundamental es disciplinar la INTELIGENCIA y formar para la vida, sin miedo, de modo que el ser humano sea capaz de aprender lo que mudable y versátilmente exija hoy una empresa que no le servirá mañana.

La ARGENTINA se encuentra a la defensiva, maltratada, avergonzada, culposa. No hay mayores presagios que fortalezcan nuestro visceral optimismo. Debemos comenzar ya a diseñar un proyecto de país, aunque no se lo vea, todavía, por ningún lado : Atenas del sur, polo cultural, tecnológico o el que sea. Y es necesario empezar por la EDUCACION, aventando por lo pronto, corajudamente , las teorías falsas, las leyes pretenciosas e impracticables, los métodos equivocados, la INFINITA ESTUPIDEZ HUMANA.

Cada uno es una esfera, con sus armas, con sus posibilidades, con su propia inteligencia, sin tecnicismos ni lenguaje hermético, para la obra común que resulta perentoria.-

HORACIO SANGUINETTI
(*) Abogado Rector Del Colegio De BsAS
(*) Presidente De La academia Nacional De Educación

2006-10-23T06:09:00.000-07:00

MICROESFERA

Microesfera es un dúo compuesto por Ramiro Larraín y Alejandro Amo que se formó en Buenos Aires en 1997, quienes comenzaron en el campo de la música experimental electrónica y el acid techno para derivar con el tiempo hacia las formas minimal y bailables en la vertiente del microhouse.

Como Microesfera han editados los EP’s
“Microesfera” y “Microesfera Microesfera” en 1998 y 2001, respectivamente, ambos en el sello argentino Club Rayo Disquets y en 2003 se editó su primer álbum “Ilusión” por Droop Discos, sello que pertenece a este dúo y recientemente en el sello japonés Mule se publica el 12” Freak Dance”. Además han participado en varios compilados. Su otro proyecto paralelo se denomina Vlisa, con un enfoque experimental de corte ruidista.

¿De qué modo participaron los invitados [Romina Cohn, Capri, Boeing, Gustavo Lamas y María Ezquiaga) en el CD “Ilusión”? ¿Podrían comentar algo de ellos y el título “Ilusión”, según leí, fue tomado a raíz de las celebraciones sociales?
Participaron cada uno a su modo, su fórmula de trabajo en realidad refleja a cada uno. La relación que nos une es la amistad, como por ejemplo Capri. El es más rockero, nos conocimos tomando un par de cervezas, zapando y delirando... jeje], otro ejemplo, con María; grabando varias tomas de voz que fueron remezcladas dos meses más tarde... Con el título ‘Ilusión’ tratamos de reflejar el costado decadente que poseen este tipo de fiestas... jeje.

¿Cómo está el panorama en Argentina en cuanto a eventos, clubes, músicos? En este momento me acuerdo del colectivo Zensible… ¿Cuáles les parecen interesantes?
El panorama en Argentina después de la gran tragedia de ‘Cromagnon’ [para los que no saben era un lugar donde se realizaban recitales de rock [donde murieron casi 200 personas a raíz de un incendio... esto fue a fines de diciembre del 2004]. Esto dejó sin efecto los lugares chicos [les aclaramos que hasta esta fecha se encuentran clausuradas un montón de discotecas por falta de habilitación municipal...] seguido con el comentario de que en estos lugares chicos, es donde se gestaban nuevos artistas que aportaban mucha frescura a la escena electrónica local como, por ejemplo, el colectivo ‘Zensible’, donde todos sus artistas poseen un buen nivel artístico.

Cómo se gestó la participación con el sello japonés Mule y la remezcla de Gustavo Lamas?
Se gestó gracias a la embajada de Japón [Emiliano... jeje] y a www.buenosaliens.com que es en donde se compraron los discos electrónicos locales para la difusión en ese país, y de varios discos que se llevaron para difundir. A a la gente de Mule le gustó el nuestro y así se contactó con nosotros.

Ustedes sacaron dos EP’s el 98 y en 2001 que fueron editados por Club Rayo Diskets, ¿Éste es un sello? ¿Han cambiado de estilo y/o maneras de producir, equipos, etc.?, por ejemplo, ustedes mencionan dentro de su arsenal unas antenas generadoras de ruidos que tocan con las manos …
Sí, los chicos de Club Rayo poseen un sello llamado Club Rayo Disquets en el cual editan material propio y ajeno. Entre su catálogo de CD’s está el EP de siete temas llamado ‘Microesfera’... - en nuestros comienzos hacíamos música experimental de ruido abstracto con texturas y también teníamos la veta acid techno orientado a la pista de baile. Siempre nos interesó el trabajo del sonido, algo que nos caracteriza hasta el día de hoy es el trabajo con los microsonidos [jugando con la coloración del sonido y su tonalidad].

Años más tarde pasamos por una faceta minimal que hoy en día se fusiona con el microhouse y el microtechno teniendo como premisa lograr una mezcla high-tech.

Las antenas que usamos son tres... Todas generan un campo magnético alrededor de su antena, muy parecido a como trabaja un ‘theremin’, pero logrando un sonido más frío y abstracto, por momentos llega a ser como un zumbido... jeje. La particularidad de estos aparatos es que nos permiten generar texturas diferentes con cada uno de ellos que posee su propia personalidad, además de ser muy divertidos para tocar en vivo... jejeje.

¿En qué se diferencia Microesfera de su otro proyecto Vlisa?
Como dijimos antes Microesfera está orientada más a la pista de baile y Vlisa más hacia la electrónica experimental... con instrumentos acústicos, ruido y con un concepto de composición totalmente libre.

Como Microesfera tenemos el primer EP llamado ‘Microesfera EP’ [1998] de cuatro temas, después editamos ‘Microesfera Microesfera’... jeje el año 2001 por Club Rayo Disquets que comprende siete temas y en 2003 ‘Ilusión’ de 15 temas... y en 2005, editamos por Mule el vinilo ‘Freak Dance’ y como Vlisa editamos ‘Reconstrucción’ en 2002 que posee 34 tracks y dura 60 minutos... además de participar en un montón de compilados de aquí y del exterior”.

¿Y qué podrían decir de Droop Discos?, también tengo entendido que sacaron dos tracks en el compilado del sello
My Melodies …
Droop Discos es nuestro propio sello que todavía sigue en etapa de desarrollo, con este sello intentamos mostrar trabajos desde el ruido puro hasta el límite de lo bailable, siempre con un concepto de experimentación. Sí, aportamos dos temas al compilado de My Melodies en un estilo más estructural; en formato de canción electrónica”.

¿Van a salir en un compilado llamado “Colores”?, ¿Quiénes están ahí, lo trabajaron junto a Fussible?
Sí, ya salió, fue un compilado del año 2003 de Mil Records y estamos entre otros artistas argentinos y latinoamericanos como ser Estupendo, Leandro Fresco. Mambotour, Dr Q, Chord y Fussible [que es medio amigo nuestro... jeje] que fue el mentor del compilado y del sello Mil Records. Eso podría decir, que trabajamos con él aportando lo nuestro para el compilado”.

¿De qué tratan y cómo realizaron el clip que proyectaron en Sónar 2004 y el que hizo la productora Naranja Radiante? Por otro lado, ¿qué hay sobre unos separadores que hicieron para un canal [Locomotion]?
El clip que se proyectó en el Sónar 2004 fue producido por Eduardo Imasaka y las imágenes fueron seleccionadas en conjunto mientras el manipulaba en tiempo real las imágenes... [hasta hemos hecho presentaciones en vivo con él, en ese formato audio-video].

Este modo de trabajo le da el valor de obra al video, al manejarse un concepto como de totalidad. Como se hizo en aquella ocasión no es la forma en como se trabaja el video en tiempo real hoy en día, o sea Eduardo es un pionero en este tipo de trabajos.

El proyecto de la obra trata sobre la reconstrucción a nivel audiovisual. Se utilizó la misma técnica tanto para el audio como para el video. El video clip del tema ‘Ilusión’ fue trabajado con el concepto de ilusión que trata el disco de Microesfera, para eso se utilizó una técnica mixta de dibujo fotomontaje en un escenario 3D [que fue realizado en una plataforma 2D, como por ejemplo, after effects... su cámara 3D…] fue hecho por la productora Naranja Radiante [Ximena Larraín y Nahuel Rando quienes son además artistas plásticos] y los separadores de Locomotion los hizo un amigo que se llama Diego Ramos que fue el ideólogo de un segmento llamado ‘Fracto’, dentro de la programación del canal, en el que utilizó texturas sonoras del disco de Vlisa ‘Reconstrucción’ como también un tema de Microesfera con el cual hizo un video”.

También tienen trabajos para los sellos mexicanos Noiselab y pronto por Static. ¿Nos podrían comentar algo de esto?
El de Noiselab es un compilado en el que se incluyó un tema del disco ‘Ilusión’ llamado ‘Gey world’, todos los demás proyectos están en proceso de trabajo... el próximo proyecto es un video de Vlisa y nuestro sello editará un E.P. de Niña Bonita que tiene un sonido orientado hacia el beat experimental".

(*) http://www.loop.cl
(*) http://www.minimanagement.com.ar

2006-10-15T07:18:00.000-07:00

ANDERS LLAR

Anders Ilar de la ciudad Gotenburgo, Suecia es un artista que propone formas ambientales y mínimas texturas y micro estructuras rítmicas. Su nombre se vincula a la camada de artistas que alternan con el minimal techno como son Mikael Stavöstrand, Johan Skugge o Claudia Bonarelli del sello sueco Mitek y las cortinas de fondo ambient como Apparat del sello Shitkatapult.

Ilar fundó su propio sello Pinesky en el que publicó a su amigo Olof Hemmendorff y un 12 pulgadas suyo. También ha editado para los sellos Audio nl, Plong! y Shitkatapult en el que se salió publicado en 2003 su álbum debut “Everdome”.

Ha remezclado a Apparat, Le Dust Sucker, Mikkel Metal y Adam Johnsson. También ha trabajado bajo el seudónimo de Rend para el sello Plong! Este año debe salir en este otoño boreal su segundo álbum para el sello holandés Audio.nl.

¿Cuáles fueron los motivos que te hicieron dedicarte a la producción de la música y porqué te aburriste del formato de las máquinas ?
Comencé haciendo música electrónica básica con un poly 800 II y una TR-505 cuando tenia 15 años, pero mi set fue creciendo gradualmente en cantidad de máquinas. Estaba usando Atari y Cubase por muchos años e hice mucha música. Aún suelo cantar… Hice Industrial, EBM y Synthpop y luego IDM y acid-techno.

Pero nunca tuve dinero para gastarlo en mezcladoras de alta fidelidad, grabadores DAT y efectos. Todo lo que hice fue grabado en cintas y la calidad de sonido era baja la mayor parte del tiempo. A través de los años mi set-up fue cambiando bastante y luego de estar de un lado para otro, éste se volvió limitado. En realidad no las uso mucho, sólo están llenándose de polvo. Por eso decidí vender todo y nunca me arrepiento de eso.

Luego te volviste DJ, ¿cuáles son tus favoritos de siempre, y cuáles los actuales dentro de tu colección de discos ?
Cuando comencé a poner música me gustaba mucho el hard-acid como Woody Mcbride y la escena antigua de Colonia, como DJ Jungla Fever, Structure, Force Inc., Drop Bass, Comuniqué, etc. Pero fue Depeche Mode y Kraftwerk quienes me llevaron a la música electrónica a los mediados de los 80s.

Uno de mis primeros discos fue Depeche Mode ‘Some great reward’. Pero si hay algun disco que realmente cambió mi percepción de la música, fue “Cleanse, fol. & Manipulate” [1987] de Skinnny Puppy. Escuché mucha música a través de los años y compré muchos discos. Durante un periodo escuché mucho Cocteau Twins y The Cure. Actualmente he estado comprando mayoritariamente minimal-techno y electrónica, pero últimamente no compro muchos discos, solamente los que realmente necesito.

¿Cuál es la diferencia entre tus presentaciones como DJ a las que tocas en vivo ?
Disfruto las dos cosas, pero no pongo música mucho últimamente. Me gustaría hacer las dos cosas mas seguido, pero no estoy para presentaciones de fiestas a altas alturas de la noche. Me gustaría tocar en eventos al aire libre.

Tú tienes diferentes inspiraciones al momento de componer. Tu ciudad Gotenburgo, los pasillos del hospital (el trabaja en uno) ..., tus trabajos reflejan tu estado de ánimo, ¿cómo los armas ?
Sí, tengo inspiraciones de mi alrededor y de mi vida emocional. Es todo básicamente de encontrar los sonidos justos que quiero crear junto a mi estado de ánimo. Trabajo mayormente con sonidos de grabaciones al aire libre y luego los manipulo digitalmente y produzco los temas”.

Pareciera que estas más cómodo con los softwares y tu computador, ¿cómo está conformado tu estudio personal ?
Grabo y manipulo sonidos con Wavelab y produzco con FL Studio.

Cuéntame acerca de tus diferentes ediciones como Pinesky (con Olof hemmendorf), Audio nl, Shitkatapult, Plong! y las futuras…
Conocí a Olof en una fiesta de año nuevo del 99-2000 y estaba muy impresionado con su música. Mis amigos Luke Eargoggle and Rutherford estaban comenzando Stilleben records y yo también estaba con ganas de comenzar con un sello. Por eso decidí de probar y hacer temas con softwares y ver como funcionaban.

Fue tan satisfactorio que no he dejado de usarlos hasta el día de hoy.Primero mandé un demo a Plong! y ellos quisieron editar algo. Un año después tenía suficiente música. Por eso mandé más demos. A Shitkatapult le gustó, y luego contacté a mi sello favorito de minimal [Audio nl] con mis temas minimalistas, a quienes también les gustó. Recientemente hice unos remixes para Mikkel Metal [Echocord], Adam Jonson (Narita) y Le Dust Sucker [Plong!], más un montón de material que será editado por Shitkatapult el año que viene. También hice 4 temas para un EP para Echocord que espero que salga este año. En el futuro me gustaría hacer música para documentales y comerciales como también producir discos.

Estudiaste Ciencias Sexuales (por Ej. Psicología en el desarrollo de los niños…), ¿Puedes describir en pocas
palabras tus impresiones acerca de este tema?, y ¿ Porqué te interesaste en esta área ?
Sí, tomé clases de Ciencias Sexuales [Sexología] en la Universidad de Gotenburgo. Cada ramo era extremadamente interesante y leíamos básicamente cualquier asunto relacionado con la sexualidad humana. El sexo y la sexualidad siempre han sido un tema para mí, entonces apliqué temas valiosos de lo que aprendí de las clases.

Tuviste un sex shop en la red con foros de discusión, juguetes, etc. ¿ Cómo funcionó ?
No muy bien. Fuimos a muchos bancos de la ciudad pidiendo un préstamo para hacer un negocio serio sobre eso, pero al estar conectado con el sexo todos los bancos se negaban a nuestras propuestas, por eso tuvimos que cerrar antes de haber empezado realmente. Fue malo en un sentido, pero por otro lado realmente no soy un hombre de negocios. No me gusta el sistema monetario, la gente es esclava de la más viciosa droga de todas, el dinero.

¿ Existen proyectos interesantes en Suecia ?, yo conozco el sello Ideal…
En general no hay una gran escena en Suecia si es que te gusta la música para bailar más experimental. Ideal records es de Gotenburgo, ellos hacen festivales anuales del cual participé este año en abril. Muy muy divertido.
También está Stilleben Records el cual es un sello de electro. Hay mucha gente en Suecia involucrada en la electrónica de alguna manera, pero el interés de los medios es muy pobre.

(*) http://www.loop.cl
(*) http://ai.pinesky.com

2006-10-11T19:56:00.000-07:00

TOP TEN : ELECTRONICA

01. Boards Of Canada - Trans Canada Highway EP (2006)
02. Aphex Twin - Chosen Lords (2006)
03. Jimmy Edgar - Colorstrip (2006)
04. Nathan Fake - Drowning In A Sea ... (2006)
05. Junior Boys - So This Is Goodbye (2006)
06. Mutek Vol. 5 - Various Artists (2005)
07. To Rococo Rot - Trance Of Travel (2006)
08. Matmos -The Rose Has Teeth In The Mouth Of A Beast (2006)
09. Anders Ilar - Everdom (2003)
10. James Figurine - Mistake Mistake .. (2006)

01. The Russian Futurists - Me Myself And Rye (2006)
02. Min2max - Various Artists (2006)
03. Magda - She's A Dancing Machine (2006)
04. Tiga - Sexor (2006)
05. MSTRKRFT - The Looks (2006)
06. Anders Ilar - Everdom (2003)
07. Black Dice - Creature Comforts (2004)
08. Darkel - Darkel (2006)
09. I Monster - Neveroddoreven (2004)
10. Miss Kittin - A Bugged Out Mix By Miss Kittin (2006)

2006-10-07T13:19:00.000-07:00

MY BLOODY VALENTINE

Una de las bandas más importantes dentro de lo que se conoce como el Rock Shoegazer, con influencias de grandes músicos relacionados con el Post Punk (como Sonic Youth, The Velvet Underground o The Jesus & Mary Chain), quedan establecidos como una leyenda en lo que a esta rama del rock respecta.

Pese a haber tenido una corta vida (1985 - 1991), marcaron fuertes tendencias como las del Low Fi Rock, y toda una forma de hacer rock que se fundamenta en guitarras distorsionadas y Semi Ambientales, con Voces Femeninas Frágiles y Melódicas Contrapuestas a ambientes extremadamente densos y casi depresivos.

Por eso, su guitarrista, Kevin Shields, es también una figura de la época, y es padre del modelo que siguen otras bandas similares como Ride, Lush o Slowdive.

LOVELESS

Dos años, 25 estudios de grabación, 14 ingenieros y $500,000 en gastos, es posiblemente la producción más importante e influyente de los 90’s.

En Loveless lo demuestran con certeza. Durante la grabación del mismo Colm O'Closoig (Baterista) se enferma y no puede tocar, teniendo que ‘samplear’ tediosamente su batería pieza por pieza, programando los ritmos de Loveless en un Pre Histórico secuenciador de computadora.

Irónicamente, este contratiempo contribuyó en parte a los ritmos ‘mecánicos’ que aparecen en el disco, dándole un cualidad futurística, que a su vez sentó las bases en la manera de componer y producir de un sin número de bandas más adelante.

Por otra parte, Kevin Shields, genio y líder de la agrupación, hace todo tipo de experimentos en el estudio, utilizándole como un instrumento en sí. Entre sus experimentos, Shields hace que Belinda Butcher (Cantante y Guitarrista) grabe voces de madrugada, recién levantada del sofá del estudio, sin oportunidad de despertarse completamente, creando el letargo etéreo vocal que caracteriza este disco.

Mientras tanto, Shields decide mezclar las voces en el mismo panorama que sus guitarras, entremezclando los sonidos, produciendo una sensación de distancia y disociación de los elementos borrosa (muchos atribuyen el sonido de este disco al consumo de la droga Ketamina por parte de Shields, la cual produce este efecto en el cerebro), mientras que las letras hablan de sexo endrogado o drogas sensuales...

LOVELESS cuenta con once temas oficiales. Desde el asalto sónico de ONLY SHALLOW, los experimentos sonoros de LOOMER y TOUCHED , el DREAMPOP de TO HERE KNOWS WHEN hasta la melancolía de SOMETIMES. Esta joya musical cuenta con varios temas inéditos, incluyendo el himno sonoro HONEY POWER, lanzado como un Lado B.

El tema final del disco, SOON, fue descrito por el productor Brian Eno (David Bowie - U2) como “Un Nuevo Estándar Del Pop”. Cabe señalar que no sólo están estos increíbles temas, sino también interludios entre temas, fragmentos de canciones que acompañan y unen el disco en una sola pieza musical.Obra Artistica no valorada en su momento. Imprescindible para entender el Noise Rock de los 90's.

SHOEGAZING

El Shoegazing fue un estilo de música indie surgido a finales de los ochenta y principios de los noventa en el Reino Unido, bautizado así por la prensa gracias a la costumbre que tenían los integrantes de las bandas de tocar mirando hacia el suelo,
sin hacer contacto visual con su público (en inglés, el término proviene de SHOE (zapato) y GAZING, del verbo gaze,
que significa mirar fijamente a alguien o algo.

Pero no solo este movimiento CORPORAL fue lo que identificó su esplendor musical y sus canciones. Las guitarras con Feedback, Ruidosas y a la vez Melódicas, plagadas de pedales de Efectos como el Flanger, Reverb o Chorus, los Ambientes Espaciales que creaban y sus letras, entre sombrías y melancólicas, la mayor parte del tiempo susurradas-, eran los medios identificativos de los grupos.

Generalmente reconocían (explícita o implícitamente) como influencias a The Jesus & Mary Chain, Velvet Underground, Spacemen 3, Cocteau Twins y Brian Eno.

Los grupos más importantes de la escena fueron My Bloody Valentine (autores del disco fundamental del género, "Loveless", editado en 1991), Ride, Slowdive, Swervedriver y Chapterhouse.

Tras el éxito de principios de los '90, el género cayó en el olvido, pero una década después, una nueva camada de grupos propone seguir los pasos de aquellas bandas.

Precursores : The Jesus & Mary Chain - My Bloody Valentine - Cocteau Twins.

Contexto Cultural : Fines de los ochenta y principios de los noventa en el Reino Unido.

Instrumentación : Guitarras - Bajo - Batería - Efectos - Samples.

Las Bandas : The Radio Dept - The High Violets - M83 - Serena Maneesh - Starflyer 59 - Autolux - Giant Drag - A Northen Chorus - Catherine Wheel - Medicine - The House Of Love - Lilys - Lush - Ride - Slowdive - Spiritualized.

KEVIN SHIELDS

¿Vives En Dublín o Lo Visitas a Menudo? ¿Qué Bandas Cuasi-desconocidas Operan Desde Allí?
Desde 1985 vivo en Londres y prácticamente no conozco ninguna nueva banda de Dublín. Una de las mejores bandas afincadas allí es Rollerskater Skinny, aunque mi hermano estaba en el grupo, o sea que supongo que no puedo ser demasiado objetivo.
Al menos no sonaban como U2, hay muchos grupos de Dublín que parecen copias de U2.

¿Podrías Ayudarnos A Distinguir Entre El Noise Rock y el Post Rock?
No sé cuál puede ser la diferencia ni qué tenía en mente quién inventó los términos. La mayoría de lo que se suele llamar
Post Rock es música ralentizada.

¿Qué Escritores o Libros Consideras Influyentes En Tu música?
Cuando hice los discos de My Bloody Valentine no solía leer muchos libros, aunque para mencionar a un escritor, me gusta mucho Terence Mackenna y su Literatura Psicodélica.

¿Qué Estás Escuchando Actualmente?
Una recopilación que ha salido recientemente de The Nuggets (los británicos de los años sesenta, no los americanos) y The Lylis, sobre todo sus últimos discos, Better Cars make better lifes es espléndido.

¿Cuál Es Tu Relación Actual Con Island Records?
Me liberé de Island hace un mes, a pesar de que estaban empeñados en que siguiese con ellos y me ofrecieron mucho dinero.

¿Realmente Fue Tan Importante El Hip Hop En Algunas De Tus Grabaciones De Finales De Los 80's ?
El Hip Hop fue para mí la mayor influencia musical entre 1987 y 1988. Parecía muy original y moderno en ese momento. Los grupos de guitarras estaban adormecidos, eran demasiado retrospectivos. El Hip Hop era muy interesante, tan diferente,
se estaban rompiendo todas las reglas. Me inspiró mucho para seguir haciendo cosas interesantes con guitarras.

Algún Detalle Para Los Que Nunca Asistimos A Un Concierto De My Bloody Valentine.
Una de las cosas que más nos interesaba era observar las reacciones del público en distintos países.
En medio de la canción “You Made Me Realise” tocábamos ese intervalo especialmente ruidoso, parecido a Sonic Youth, pero más duro y estridente. En un principio, la canción duraba unos cuatro minutos, con esos treinta peligrosos segundos.

En directo ampliábamos esa parte central hasta media hora. Repetíamos el mismo acorde tan alto como lo permitían los amplificadores y dirigíamos las luces al público. No lo apreciaron en Alemania, tampoco en Canadá ni en Irlanda del Norte. Se sentían estafados.
En cambio, sí les gustaba en América, Francia, Inglaterra, Japón o Escandinavia. Si no recuerdo mal, tocamos la versión corta de “You Made Me Realise”, además de “Slow”, aquí en España, en el único show televisivo en directo en el que participamos.

¿Como Te convenció Sofía Coppola para que aparecieras?
Brian Reitzell (Productor Del Soundtrack) me pregunto si quería colaborar en la película y me pareció una buena oportunidad para hacer algo son presiones. Sofía me dio el guión y después vino al estudio, escucho la música y le gusto, pero quería fuera en una dirección mas romántica, porque lo que estaba haciendo era como para una película de Ciencia Ficción.

Algunos temas se acercan mas al Ambient que al sonido de Guitarras Distorsionadas al que se te suele asociar ...
Si, es que me gusta todo tipo de música : Trip Hop o el sonido de Guitarras crudas. Prefiero la muisca que es mas directa, porque proviene de un lugar simple pero podersoso. Fui a ver a los White Sripes, cuando vinieron por primera vez a Londres y
me parecieron asombrosos y los Yeah Yeah Yeahs son muy buenos también, no creo que me iban a gustar tanto.

Sofía Coppola dijo que es Fanática del álbum LOVELESS. ¿Porque crees que aun hoy es un Disco importante para gente tan diferente ?
Porque tiene sentimientos muy fuertes. Muchos de los discos que escuchas no te están hablando de verdad. Solo tratan de sonar bien y no tienen una emoción fuerte. Creo que cualquier álbum que tenga cierta calidad y hale se manera pura siempre atraerá a las
personas.

¿Ese Álbum es un punto difícil de superar?
Fue difícil sacar un disco que tuviera la misma visión. Tenia muchas ideas y demasiadas direcciones. Creo que no hice ningún otro disco porque hubiese sido una desilusión. Lo bueno de PERDIDOS EN TOKIO es que hizo que no me preocupara por lo que pensara la gente, y fue un canalizador para que yo quisiera hacer muisca muy rápido. El temas es que hace 5 años creí que mi tiempo ra eterno. Ahora creo que puedo estar perdiendo y eso me preocupa.

¿Habrá Nuevo Álbum de My Bloody Valentine?
Primero voy a hacer un Disco solista. Pero después creo que si. estoy remasterizando los Discos, EP's e Inéditos de My Bloody Valentine para sacar un álbum doble. También espero poder financiar mi Disco y después encontrar un sello. Me gustaría grabarlo antes porque no creo que nadie confié en mi como para darme plata. Para ser honesto, no confió ni en mi mismo.

¿La industria Todavía Te Puede Dar Un Lugar?
La Industria es un kilombo. En los 90's las compañías fueron compradas de bebidas o gente que no tenia nada que ver con la música y la estaban destruyendo. Island fue comprada por 3 empresas diferentes cuando estuvimos con ellos y cada vez que la adquirían, se deshacían del 30% del personal y les decían a las bandas que el presupuesto no alcanzaba.

Eso esta cambiando, creo que las Multinacionales se están volviendo mas interesantes que los sellos locales. En 10 años, la Industria quedara para la
gente a la que le gusta la muisca, y a todos los que quieren se van a ir a fabricar armas.

PopChild (2002)
Rolling Stone (2004)
Wikipedia (*)

2006-10-07T09:31:00.000-07:00

Yo La Tengo (James & Georgia)

Llevan 20 años publicando discos, han marcado a tres generaciones de músicos y aún nadie se atreve a llamarlos clásicos.

Sus canciones pop, de corte dulce y sensible ayudaron a convencer a los indies de los 90 para que todos los minutos de noise que esconden casi todos sus discos fueran uno de los máximos referentes de la época.

Grandes conocedores del rock mundial de todos los tiempos, transforman la herencia clásica en capas sonoras que usan el tiempo para extenderse rítmicamente y crear ambientes en los que Ira Kaplan ha sabido tranformarse en todo lo contrario a un guitar hero, espasmódico, caprichoso y ruidoso.

En los últimos años se permiten viajes al free jazz, el krautrock y la bosanova, y si aún no los llaman clásicos, a lo mejor es porque a pesar de haber publicado discos imprescindibles, aún tienen mucho que decir.

www.yolatengo.com

Top Ten : James vs Georgia

01. Eddie Bo - Hook & Sling
02. William Bell - Everyday Will Be A Holiday
03. Slickee Boys - Gotta Tell Me Why
04. Captain Beefheart - Click Clack
05. Can - Mushroom
06. Hypnolovewheel - Whats Going On
07. Gilberto Gil - Cerebro Eletronico (Electric Brain)
08. Michael Hurley - Long Journey
09. John Fahey - Sligo River Blues
10. Small Faces - The Autumn Stone

The Arcade Fire

El grupo revelación de estos ultimos años. Sesenta mil copias vendidas de su debut «Funeral», pletórico álbum de folk-pop elevado al cubo
con tanta vida interior como guiños a lo mejorcito de los 80 (Talking Heads, New Order, etc.).

David Bowie, Beck, David Byrne y Bjork ya admiran a este colectivo canadiense. Ejecutaron el playlist Timothy Kingsbury y Howard Bilerman, pensando en Win Butler y Regine Chassage, que dormitaba exhausta en un sofá cercano.

www.arcadefire.com

Top Ten : 10 x Montreal

01. The Clash - London Calling
02. Wolf Parade - I Believe In Anything
03. Bob Dylan - Sad Eyed Lady Of The Lowlands
04. Smokey Robinson - Tracks Of My Tears
05. New Order - Temptation
06. The Cure - Close To Me
07. Joanna Newsom - Sprout And The Bean
08. Final Fantasy - What Do You Think
09. Pixies - Monkey Gone To Heaven
10. Antony & The Johnsons - Hope There`s Someone

2006-09-27T14:06:00.000-07:00

CARLOS REGAZZONI

Saber si la locura viene necesariamente en el paquete de arte es un dilema difícil de dilucidar. Sea como fuere, el artista es un ser especial y necesita que lo traten como tal : Carlos Regazzoni es el mejor ejemplo.

Apenas bajó del avión agarró al intendente -literalmente - de taxista y Ferreira estuvo dos días dedicado casi full time a las demandas del excéntrico hombre.

Como será, que pidió conferencia de prensa en el barco hundido con salamines a las 10 de la mañana.

Lo que es basura para el ferrocarril es inspiración para Carlos Regazzoni.

Con las partes de un tren el artista esculpió un tiranosaurio que tiene como mortífera dentadura dos líneas de estacas alguna vez usadas para ajustar durmientes. Y de chatarra son las hormigas gigantes y el cocodrilo que rodean su estudio ubicado en un viejo vagón en el centro de Buenos Aires que, como no podía ser de otra forma, se levanta junto a las vías.

Su estudio es un vagón abandonado ubicado a metros de la estación de tren de Retiro, una de las más populosas de Buenos Aires, que conecta la capital con los suburbios del norte de la provincia.

¿Cómo nace el arte en galpones ferroviarios? Una anécdota del sofisticado maniobrador de metales mantiene latente la historia del lugar. “Fui al Centro Cultural Recoleta a realizar una exposición de mis pinturas y el director, por ese entonces Levinson, me dijo que yo era un problema y me echó”, cuenta Regazzoni con aire rencoroso.

Aunque su aspecto puede incomodar a más de uno…su filosofía de vida hace que su apariencia sea despreocupada, por eso la opinión externa no le causa problema alguno. Una camisa semi-abierta, sucia de soldar esculturas, rulos que parecen haberse creado luego de meter los dedos en el enchufe y un carácter fuerte y acentuado a lo italiano, crean a un personaje que se fue fortaleciendo entre grúas y soldadoras, tuercas y caños, chapas y tornillos.

“Entonces cargué mis pinturas en un camión -sigue contando el artista- y me dirigí directamente hasta el Riachuelo, donde pensaba tirar todas mis obras”.

Pero al pasar por los galpones de Retiro, conoció a Néstor Rubiolo -jefe de los mismos- y le comentó que necesitaba dejar todos sus trabajos en algún lugar. Desde ese momento en adelante, Regazzoni le dejaría su vida en sus propias manos, según definió a su arte.

Rubiolo, entonces, le prestó un galpón desocupado por un par de meses. Sus obras se fueron acomodando en el galpón salvándose de conocer el fondo del río.

Más de 5 mil obras se cotizan hoy internacionalmente. Su segundo país es Francia. Viajó por primera vez en 1992 de la mano del videasta francés Franck Joseph, quien presentó un video documental de su obra en Argentina y obtuvo el primer premio en el 4° Festival Internacional del Film Ferroviario de Vendome.

A partir de ese momento, Regazzoni sostuvo una relación cultural paralela con su país natal y Francia, donde le abrieron las puertas para exponer sus obras brindándole un lugar de trabajo similar al de Argentina.

Hace alrededor de ocho años que están instaladas cuatro esculturas ferroviarias sobre la Avenida Del Libertador (esquina Suipacha) por la Municipalidad de Buenos Aires. En el Aeropuerto Internacional Ezeiza, sus murales. Los “petrosaurios” en Neuquén y el “bridasaurio” en Santa Cruz.

El artista de 61 años trabaja en su mayor obra: un toro con cuernos forjados con viejos tubos de metal. Pero el material parece estar dispuesto a resistir los golpes y Regazzoni no puede evitar maldecir por lo bajo mientras martilla.

En el estudio también hay una iguana, cuya piel fue fabricada con pedazos de cadenas, y otras rarezas entre ellas la escultura de la Virgen de Luján, patrona de Argentina elaboradas con restos de cajas registradoras y máquinas de escribir.

"Como yo en el fondo soy un mecánico, un herrero, fue fácil comenzar con la escultura. Porque la escultura hecha con chatarra y con materiales nobles como los de la época de la Revolución Industrial exige una predisposición de mecánico", dice Regazzoni, que en sus primeros años como artista se dedicó a la pintura.

Durante la revolución industrial, los británicos construyeron en Argentina una enorme red ferroviaria para conectar los puertos con los centros de producción. Eran épocas de bonanza económica, cuando el país se ubicaba entre las diez naciones más ricas del mundo.

Riqueza que se agotó finalmente a inicios de 2002, cuando la pobreza alcanzó al 40% de los 36 millones de habitantes y las viejas líneas férreas se convirtieron en virtual chatarra ambulante.

Eso suministró abundante materia prima a Regazzoni, quien declara que el arte no tiene ningún fin práctico más que dotar al hombre del sentido de la estética.

"El arte no es utilitario. No puedo beber un cuadro, acostarme arriba de un cuadro, taparme con él. No es como un plato, un coche, como un objeto utilitario. Sí sirve para que los hombres presientan el sentido de la belleza", dice.

"No cobrar un puto peso por lo que uno hace es una injusticia, porque en el mundo mercantilista todos cobran, y los únicos idiotas que no pueden cobrar son los artistas, que en la Argentina están desamparados y luchando contra la incomprensión de la sociedad".

Regazzoni cree que a través del arte tanto el artista como el espectador pueden añadir "algo a su vida, algo poderoso", que les permite trascender la mundanal monotonía.

Por ello algunas de sus obras son como una versión irónica de la enajenación de la gran ciudad.

Diez hormigas gigantes y perfectamente alineadas trepan un cartel publicitario ubicado junto a una autopista que, también como hormigas, miles de automovilistas recorren cada día para ir de su casa al trabajo y de regreso a su hogar, sin tiempo para detenerse a mirar el cielo.

En medio de ese paisaje urbano Regazzoni ha construido su estudio, más parecido a una granja que un atelier.Cerca del viejo vagón que funciona como su hogar cría gallinas que le proveen huevos frescos, cocina platos simples en una vieja estufa de hierro forjado y hornea pan en un horno de barro.

Regazzoni divide su tiempo y sus obras entre Argentina y otro taller cercano a una estación de tren de París.

El "artiste sculpteur", como lo describe su tarjeta de presentación en francés, ha exhibido su trabajo en lugares tan lejanos como Japón y se ha vuelto el favorito de coleccionistas y estrellas. El actor Antonio Banderas, por ejemplo, tiene varias de sus obras decorando sus mansiones de Estados Unidos y España.

De vez en cuando realiza presentaciones públicas, en la Patagonia, donde vivió durante su juventud, una colección de sus dinosaurios de chatarra, llamados "Los Petrosaurios", se levantan sobre el páramo.

Pese a su actitud ermitaña Regazzoni asegura que no es un artista solitario.

Dice que le gusta que la gente se arremoline a su alrededor, como el asistente que toma fotografías a sus obras y las digitaliza en una computadora, el ayudante que le acerca la chatarra en una carretilla, los estudiantes de arte que llegan a él para aprender a esculpir o los visitantes cautivados por el espíritu de sus creaciones.

"Hay muchos artistas que dicen que necesitan recluirse para crear. Yo también lo decía hace algunos años y después me di cuenta que era una mentira. Una vez un borracho me dijo 'Yo a este cuadro lo puedo mejorar'. Le di unos pinceles ¡y lo mejoró de verdad!", agrega, mientras sale apresurado de su estudio dejando a los visitantes en compañía de sus temibles criaturas.

"Este es un pueblo que no tiene industrias y seamos realistas, acá no para nadie. Tiene unas playas de la gran puta, pero yo las veo vacías. No hay turismo, pasan de un lado para otro, pero acá no para nadie. Y bueno, esta es una oportunidad para que exista en el mapa. ¿Por qué no discutimos cómo hacemos para que exista a partir del arte? Lo cual es maravilloso, porque el arte tiene una dimensión poderosa. En Francia el 40 por ciento del producto bruto va a la educación ¿es porque los franceses son idiotas?".

2006-09-25T15:26:00.000-07:00

FERNANDO PEÑA

Fernando Gabriel Peña nació el 31 de Enero de 1963 en Montevideo, Uruguay. De muy chico vino a vivir a Buenos Aires.

Hijo de una familia acomodada, su padre, El periodista Pepe Peña fue un hombre polémico, que discutía de fútbol.

Con Panzeri y Pedernera integró el trío radial "de las tres P", Fútbol al Centímetro, unos adelantados al inicio de los 60.

Un dia Pepe Peña lo llevo a la radio, Mientras Peña padre hablaba, al pequeño Fernando le dieron ganas de ir al baño.

Cuando no aguantó más aprovechó una pausa de su padre... y -al aire- le dijo: “papá, me meo”. Todos rieron.Como un anticipo de su marca registrada, el destino de Fernando Peña adelantaba dos caminos: el del humor y el de la radio.

Es el personaje de moda. No es moda. Susana Giménez lo invitó a su programa y allí dijo aquéllo de “no soy gay, soy un puto sufrido” y la diva quedò culo al norte. Fernando Peña, desde la radio o enfrente tuyo, dice lo que se le canta. Por él o en la voz de sus personajes, con los cuáles iría perfectamente a tomar un café. “De hecho, lo hago permanentemente” .

Más allá de escándalos y sobresaltos mediáticos, (como decía Carlitos Balá) el movimiento se demuestra andando. A Peña hay que verlo. Quien quiera oír que oiga.

Estudió teatro y tuvo muchos trabajos, entre ellos, el que le permitió llegar al éxito: Comisario de a bordo en American Airlines.

Ahí lo descubre Lalo Mir, quien viajaba usualmente por esa aerolínea y escuchaba a una cubana que decía pavadas por el altavoz. Después de tanto hinchar, Lalo pudo conocer a la vieja, y vio que Milagros López, era Fernando Peña.

Lalo le ofrece llevarlo a la radio, de a poco comenzo la carrera en radio.Luego de hacer varias participaciones en radio llegó a tener sus programas propios: Graffiti, que iba de lunes a viernes de noche por Energy101. Hacía su personaje Dick Alfredo. Y La vereda Tropical... aun hoy hay gente que no sabe que esa cubana simpatica que esta en radio del Plata no es nada mas ni nada menos que Fernando Peña.

Su mayor éxito indiscutido en radio con todos sus personajes en acción : El parquímetro, que se emitia de lunes a viernes de 10 a 14 por la metro 95.1. Pero se lo censuró el CONFER por las puteadas y se lo levantaron, luego de 3 años de éxito.

En el año 2002 volvio en la Rock & Pop 95.9 con cucuruchos en la frente, de lunes a viernes de 21 a 24. El programa tenia otro estilo, El staff era el mismo, pero Fernando dijo en su programa de la rock and pop que no le agrado para nada el ciclo que allí realizo.(y lo dijo en otras palabras...) seguia siendo Peña.

En teatro: Esquizopeña lado a y b, Esquizopeña: intimidad rioplantese y duele, que fueron sus mayores éxitos. Nunca había localidades para esas obras porque se agotaban enseguida. También hizo My name is albert with an A, una obra en inglés, en donde interpretaba a un asesino serial.

Luego realizo “el niño muerto” en el paseo la plaza, una obra autobiográfica, en la que no estában los personajes,(aunque tenian una pequeña participación), era muy emotiva y muy fuerte.Una de sus funciones fue realizada a total beneficio de la Fundacion Huesped, para ayudar a chicos con HIV.

Hizo público que tenía HIV. Estuvo a punto de morir. Tuvo un linfoma en el riñón y se sometió a quimioterapia. Ni el HIV ni el Cancer pudieron detenerlo... SU OBRA MUGRE... Gano el premio "ESTRELLA DE MAR" que se entregò en Mar del Plata el corriente año... mejor Unipersonal... produce sus propios espectaculos con su productora.

Sus personajes siguen mas vivos que nunca, Milagros nos sigue alegrando... y acaso Fernando Peña sigue causando polemicas. pocas veces se ha visto a un actor interpretar tantos personajes en escena, y pocas veces se ha visto a un hombre más desnudo, más expuesto, más en carne viva, esperando, en la mirada de los otros, la confirmación de que está vivo pero no solo para polemizar... como el dijo "solo creo en la sucesion de las cosas" el dia que Peña baje el telon ... ocurrira lo inevitable.

Aplaudiremos de pie, para luego no olvidarnos, pero mientras tanto A Peña hay que verlo.Quien quiera oír que oiga.“Me divierto haciendo lo que me gusta. No es un trabajo. Es mi vocación"

El lunes 2 de octubre aterriza con "Isla Flotante", por canal 7 a las 23 hrs.

¿Quién debería abstenerse de ir a verte al teatro?

Nadie.

¿Qué cosas te asustan del público?

Que vayan cerrados me asusta muchísimo. Tanto los que van predispuestos a pasarla bien o mal me asustan de la misma forma.

La gente tiene que ir neutra y vacía, y que esté atenta de entrada porque mis obras comienzan en la antesala. Además, quiero dejar en claro de que yo estoy bastante lejos de lo que son Gasalla, Pinti y Perciavale. Además mis obras duran mucho tiempo o muy poco, depende de lo que me pase con el público.

En la relación con la TV, ¿no te expusiste demasiado?

Sí, me encanta, y me parece poco todavía. El artista debe estar expuesto.

¿Aunque sea en los programas de chismes?

El artista debe estar expuesto, y nunca es suficiente.

¿Es cierto que vos querías ser piloto de avión?

Todo es cierto, yo quiero ser todo y seguramente por eso soy actor. Aún ahora quiero ser piloto de avión...

¿Y?

Para el orto porque nunca estudié... en realidad nunca me gustó estudiar.

¿Los años 80 fueron especiales para vos? Por los descubrimientos, las experiencias, mucho tiempo en Nueva York, los nuevos amigos, el sexo, las drogas...

Eran épocas de adolescencia. Me faltaba todo y me llené de todo. Es así, cuando se tiene esa edad y uno está vacío agarra todo lo que hay alrededor, y es lo que yo recomiendo a todo el mundo. A partir de ahí uno puede discernir. Pero primero hay que agarrar todo lo que hay alrededor, ya sea drogas o una flor, porque si no uno después se vuelve grande y boludo, y terminás descartando cosas que no conocés.

¿Y vos qué descartaste?

La estupidez.

En las entrevistas todos te preguntan por qué te gusta jugar con la muerte y a vos te gusta hablar del tema.

A veces da la sensación de qué tenés un poco de miedo a morirte.

Miedo no es la palabra que yo usaría. Es vértigo. Unas cosquillas parecidas a cuando estoy por subir a la montaña rusa. El quiero y no quiero, eso es lo que me pasa. Me parece indispensable tener la muerte cerca para valorar la vida, por eso la pongo mucho en mis obras. Es la fecha de vencimiento implícita que todos tenemos. Es lo que pasa con los yogures, si te olvidás la fecha de vencimiento se te pudre en la heladera.

¿Leíste lo que pasó en una escuela de Carmen de Patagones, donde un chico de 15 años mató a tres compañeros?

Es un final esperado mundialmente. Es obvio, si la gente se olvida de hablar de la muerte pasan estas cosas. Porque de "eso no se habla", porque los padres generalmente son unos cretinos, pacatos... "no nombres a la parca", dicen los pelotudos, y entonces pasa esto de que viene un pibe de 15 que, como un artista parece ser diferente a los demás, y mata a todo el mundo, Además a veces pasa esto porque se está impregnado de una cultura norteamericana donde todos juegan con las balas en lugar de tener una idea cultural romántica de la muerte.

Se empapan de esa cotidianidad pop y entonces van y ¡pop pop corn! matan a la gente. En las familias argentinas no se hablan las cosas ni le dan valor a la vida, porque no mencionamos la muerte.

¿De chico te sentías diferente o te lo hacían sentir?

¡Ehhh! Sí, obvio. Tal cual me hacés sentir vos en este momento.

¿Cómo?

Sí, los periodistas son gente muy curiosa.

¿Qué es para vos lo más cercano a la felicidad?

Me parece que el hombre no es feliz cuando se olvida de la letra "Y".

Y... no puedo explicar más, porque va a ser el tema de mi próxima obra y no quiero que me roben la idea. Vos preguntás y yo respondo : el hombre deja de ser feliz cuando se olvida de la "Y" y se acuerda de la vocal "O". Está clarísimo. Uno no puede ser infiel o casado... podés ser infiel y casado y ahí para mí está la felicidad.

Está claro.

Okey.

Estrenás casa …

Sí, me mudé hace más de una semana, porque en la otra ya había cumplido un ciclo.

Pero seguís manteniendo un enorme portón que divide tu mundo de el de los demás.

Sí, porque más allá de que me preste a hablar sobre mi vida, la gente siempre trata de saber el doble y curiosear…

Es tonta, no es civilizada. Desde que me mudé, cuando salgo a pasear a las perras se asoman setenta cabezas para mirarme,

y eso me aburre.

¿Qué más te aburre?

Absolutamente todo. Mi vida, mis obras… pero gracias a ese aburrimiento gano plata y vivo. Porque la rutina me canta, y me lleva a crear y escribir cosas nuevas para luego mostrarlas en el escenario.

¿Se puede luchar contra eso?

No, ya no lucho más. Renegar de la naturaleza es uno de los pecados más grandes.

Entonces, ¿qué me podés decir de tus personajes?

Que también me cansé de ellos, pero creo que funcionan muy bien en la televisión, se ven más livianos, más caricaturescos.

Por eso tengo pensado dejarlos un poco de lado en el teatro, o por lo menos dejar el discurso lógico del personaje. El caballito de batalla de Gasalla, que siempre dice lo mismo. Quiero meterme en otras zonas.

En la televisión, por ejemplo…

Es una posibilidad, lo que pasa es que cuando comienzo a detectar que la gente que me contrataría me tiene miedo, salgo corriendo. Ya no me seduce nada más, me cancela completamente.

Hoy hay dos o tres productoras que están dando vueltas para ver si tengo mi propio programa diario a la noche para competir con Gerardo Rozín, y a mí me dan muchas ganas, pero cuando comienzan las interminables preguntas, ya no me gusta. Nunca modificaría nada de mí para que ellos se sientan cómodos, traicionarme sería lo último que haría antes de morirme.

¿Alguien no te tiene miedo?

La gente de MTV. El mes que viene comienzo unos cortos de 45 segundos que van a servir para que la sociedad tome conciencia de un montón de cosas. Van a estar escritos por mí, con una estética más glamorosa y, en lo posible, mudos.

En este momento de tanta cháchara me parece que cabe más, penetra más. En una época de tanto ruido, con tanta palabra, hace falta un poco de silencio o pocas palabras.

¿Ves televisión?

Todo el tiempo. Lo que más me gusta es Utilísima, Retro y Volver… Detesto los programas que son considerados buenos para el periodismo de espectáculos.

Siempre en contra…

No, no es en contra. Tengo humor y me aburren las cosas serias y pretenciosas. En cambio, me divierte mucho el error, la metida de pata. Las cosas prolijas y hechas no van conmigo. Me fascina la mala iluminación, el tropezón me divierte. Me parece que está lleno de vida y arte.

¿Cómo lo viste a Maradona antes de irse a Cuba?

Muy mal. Sigo sosteniendo que es un negro ignorante, por eso la droga le pegó como le pegó, y a otras personas le pega de otra manera. No se puede meter a todo el mundo en la misma bolsa, las experiencias son distintas. Pero basta, es un tema del que no me quiero explayar más porque no me entienden y después hablan boludeces.

¿Querés hablar de tu público, por ejemplo?

Cuando no estoy arriba del escenario me molesta muchísimo que me estén encima. Detesto a mis fans, que me pidan autógrafos… Me irritan bastante los adolescentes. Todas las cosas inconclusas me ponen mal, y la edad del pavo no la soporto.

Creo que el 99 por ciento de la gente es ignorante, y yo soy un enviado que estoy acá para hacerlos aprender un poco.

Mi misión es desasnarlos y hacerlos más sensibles. Pero las personas no valoran eso, se quedaron en la cocaína, la puteada, el sexo… Yo estoy tratando de hacer algo más profundo, quiero que la gente que me viene a ver al teatro lo haga porque realmente me entiende.

¿Y eso pasa?

No. Nadie me entiende…

Es una frustración…

Del alguna manera, sí. Me da bronca por la mete tan cerrada que tiene la gente. Me parece que conmigo hay una gran confusión. Por eso me siento muy identificado con Piazzolla, con esas personas que trataron de decir algo y siempre fueron mal entendidos, bastardeados.

En este país estoy muy desaprovechado, me gustaría que la gente deje de ver la cocaína, la marihuana, la homosexualidad… y se de cuenta de qué es lo que quiero decir. Quiero que mi público piense y utilice el cerebro.

¿Qué hacés con la plata que ganás?

La gasto, de hecho nunca tengo dinero encima y siempre estoy pidiendo. Todo el tiempo me endeudo. En este momento,

por ejemplo, debo quince mil pesos que tengo que pagar en dos semanas, y el tema me tiene bastante preocupado.

¿En qué la gastás?

En cualquier cosa. Voy por la calle, me gusta algo y lo compro. Colecciono vidrios, copas, miniaturas… Quizá me gasto en una semana dos mil pesos en cristales, ¡una locura! Pero bueno, soy así.

Fernando, ¿es cierto que tuviste un hijo hace algunos años?

Una vez se lo conté a una periodista como anécdota, pero no tengo ni idea si realmente existe. Cuando yo estaba en mi peor

época con las drogas, en los Estados Unidos, me acosté con una chica y quedó embarazada. No sé lo que pasó después porque la separaron de mí.

¿Te gustaría ser padre?

No. Detesto a los hijos, los odio, me parecen una carga. No me interesa averiguar si existe mi hijo.

¿Creés en la familia?

No, me parece un error. Es una atomización que no funciona, y creo que dentro de muchísimos años el ser humano se va a dar cuenta de que no es algo sano.

Te mirás al espejo, ¿qué ves?

Una persona alegre, feliz, que no se traicionó nunca, que no se faltó el respeto y que no duerme angustiado… Se me puede caer el techo de casa, que me voy a morir con el pensamiento de saber que siempre hice lo que quise.

2006-09-12T14:31:00.000-07:00

CONTRA LAS CUERDAS :
VIEJOS CHOTOS (TreinTown)

“¿Vos vas a pagar 80 pesos para ver al muerto de Cerati?”, me preguntaba un amigo hace poco más de un mes, cuando Cerati presentó “Ahí vamos” en el teatro El Círculo de Rosario. “Y sí, ¿qué querés que haga?”, le dije. “¿Qué voy a esperar, que venga Melero? Además acordate que yo lo voy a ver a Coleman, que hace una bocha que no lo escucho en vivo, y no a Cerati.

Y pagar 80 pesos tampoco me parece tan dramático. De todos los viejos chotos del rock nacional Cerati es el único que va a venir con un show, con una gran banda, con buen sonido. No va a venir a hacer un ensayo de una hora y media como otros ladris.

Y además va a cantar, es uno de los pocos tipos que realmente canta en vivo… bla, bla, bla”. De golpe me encontré con lo de siempre, y peor: tener que “justificar” a Cerati, como si el tipo fuese el invento de un reality show con dos meses de carrera, o como si yo fuese una fan que atesora todos sus discos… Justamente yo, que en los 80 se me revolvía el estómago con la sola mención de Soda Stereo, que me cansé de burlarme de sus poses en las fotos y las sandeces que dice en los reportajes, que me revolqué de la risa con los chistes que circulan sobre sus choreos musicales, sus comparaciones pretenciosas, su entorno de lookeadores y eventos sociales…

Pero hace un tiempo algo me empezó a molestar, me empezó a hacer ruido, definitivamente me irritó que unos stencils taparan el bosque. Me refiero a lo de “Papadas totales” y “Viejo choto”. Y no es tanto por lo que connotan (que es pesado y mucho), sino porque me parecen el síntoma más visible de un ninguneo banal y prejuicioso (de parte de colegas y afines), del reduccionismo barato de una crítica que podría tener sustento y, sobre todo, de la imposibilidad de hablar de Cerati desde otros lugares que no sean ese dardo envenenado, irónico, aparentemente indiferente, o desde la típica aprobación contemplativa.

A veces Cerati se merece lo de “viejo choto”, me digo. No me puedo olvidar de unas fotos de prensa de hace un par de años, tan recargadas de photoshop que el tipo parecía un pendejo de 15. Penoso. También es imposible obviar que Cerati no se priva ni de uno de los aspectos más patéticos del cuarentown : buscando la juventud en sus novias veinteañeras, tratando de dejar (tarde) de fumar, de comer con menos sal, de chupar menos (y escondiendo esto a sus amigos, por supuesto), conectándose con toda la tecnología que se pueda comprar, la música nueva que se pueda bajar, y apurándose a aprovechar el tiempo antes de que sus jovencísimas novias se conviertan en enfermeras de sus achaques y en sirvientas desocupadas de sus confortables casas.

Y eso por no ir al grano y hablar de “Ahí vamos”, que es un disco viejo de cabo a rabo, a pesar de tener esas tres o cuatro canciones fabulosas que se reservan todos los discos solistas de Cerati, más allá de que la mayoría de mis amigos y colegas se empeñen siempre en buscar canciones fabulosas en “otro lado”.

El asunto es que no podés a esta altura hacer un temaque parece sacado del “Synchronicity” de The Police, como si antes no lo hubieses podido copiar pero ahora sí… Eso sí, amigos del stencil, es una auténtica vejetada.

¿Qué hago yo bailando en este recital?, me preguntaba en El Círculo. Si ni siquiera lo vine a ver a Cerati… Y siempre fue así…

La primera vez que vi a Soda Stereo, en la parte descubierta de Obras, había ido por Carlos Alomar. La segunda, en la presentación de “Dynamo”, fui arrastrada por unos amigos que tenía por entonces. Las presentaciones en vivo de “Bocanada” y “Siempre es hoy” las cubrí como periodista, y la verdad es que fue una buena excusa.

¿Por qué funciona tan bien un show basado en un disco mediocrón? ¿Por qué alguna gente que no es precisamente fan de Cerati y nunca va a serlo salió como loca del teatro? En los días que siguieron, sinceramente, me hincharon las pelotas. No hablaban de otra cosa. Las giras de “shows nacionales” generalmente son rutina. Hacía mucho tiempo que no sentía que un recital tuviese tanto eco.

Me venían a preguntar mi opinión como si gran cosa, y yo la atajaba con la sanata de que no había ido a ver precisamente a Cerati… Qué mal, qué mezquina que soy. Al final soy como los demás, soy una ninguneadora. ¿Cuántas veces lo negué a Cerati? Ya van como cinco recitales…

Lo concreto es que si Coleman está sobre ese escenario es por Cerati. Cerati armó esa banda. Los temas que están tocando son de Cerati. ¿Y Soda Stereo? Soda Stereo como banda nunca existió. ¿Qué hicieron Alberti y Bosio después de Soda? Es evidente que ni siquiera les interesaba la música… La única “intervención” que yo aceptaría en las canciones de Cerati es la de Melero.

Cerati compuso, interpretó, sostuvo y exportó solo ese modelo de no-power-trio que era Soda Stereo. Convirtió este pequeño grupo en una marca, se dio el lujo de no repetirlo, de metamorfosearlo a su antojo, más allá de las crisis de este país y los despelotes del mercado discográfico.

Cerati debe ser lo menos original que existe musicalmente en este planeta, pero sabe dónde ir a copiar, cómo mezclarlo y cómo condensarlo en canciones de tres, cuatro minutos. Se puede parar delante de una guitarra o de una computadora, es lo mismo, porque sabe lo que quiere hacer. Para Cerati, componer es una cuestión de estética. Sus técnicas de copy & paste se perfeccionaron con un laburo de hormiga.

No le molesta trabajar con gente más creativa o más arriesgada que él. Nadie podría decir que no es generoso, o que busque opacar a los demás en un escenario.Y tiene un timing envidiable para armar y desarmar equipos.

Sobre Cerati como letrista… Bueno, yo respeto a toda esa gente que sostiene que esas dos palabras (Cerati-letrista) son incompatibles. Pero no estoy de acuerdo. Muchas letras de Cerati son tan precisas en la descripción de situaciones que hasta llegan a contar una historia.

Esa claridad le da una fuerza expresiva que otros músicos presuntamente más “emocionales”, o con más inclinaciones “literarias”, no logran ni a palos. Pienso ahora en las letras de “Tu medicina”, “Fue”, “Té para tres”, “Ameba”, “Toma la ruta”, “En la ciudad de la furia”, “Puente”, “Un millón de años luz”, “Crimen”, “No te creo”, “Paseo inmoral”, pero hay muchas más.

Pienso en “Av. Alcorta” como en una de las canciones porteñas más hermosas que escuché, casi como en un tango.Las letras de Cerati son también puramente sensitivas y musicales, no sirven en un pedazo de papel (aunque yo suelo citarlas bastante), y esto fue terriblemente liberador con respecto a esa pesada tradición entre poética, metafórica y críptica que venía de los años setenta.

Tal vez Cerati haya nacido viejo. Nunca entendí muy bien qué significaban esos hits de Soda Stereo en aquellos cumpleaños de 15, entre tanta hormona adolescente. Los temas de Cerati siempre estuvieron atravesados por una sexualidad adulta, masticada, para nada candorosa ni arrebatada. “Si algo cedes, calmaré tu histeria / Con los dientes rasgaré tus medias…”.

No creo que los niñatos de mediados de los 80 hayan pescado ni un ápice de esas líneas, chupándose el dedo en la puerta de los salones de fiestas, emborrachándose con apenas un vaso de cerveza y prendiendo velitas y leyendo los mejores deseos para la quinceañera, enfundadas en esos vestidos de conductora de canal de cable de más de 50. Qué horrible que era ese circo, por Dios.

Tan horrible que uno deseaba en cambio que su vida fuera algo así como las películas de John Hughes, que también eran un bochorno, pero de última eran películas.

Yo habré ido a dos o tres de esas fiestas, después me empecé a borrar con cualquier excusa. Y muy a mi pesar, de aquellos cumpleaños, sólo tengo algo parecido a buen recuerdo. Ahora se siente como si fuera un sueño: iba caminando entre la gente, entre la oscuridad y esos juegos de luces, y sonaba “Signos” a todo volumen. “Signos, mi parte insegura, bajo una luna hostil…”.

Y yo pensé: “Ojalá me quedara sola con esta canción, con esta letra que no puedo entender, y que toda esta gente desapareciera. Ojalá me quedara con la voz de este tipo, que tiene una linda voz, total nunca le voy a comprar un disco, ni lo voy a ver en vivo, y en un par de años nadie se va a acordar de él, ni de todos estos grupitos de moda. Ojalá la fiesta fuera esta canción y no toda la boludez que la rodea”.

En la película del rock argento Cerati tiene un récord de escenas bochornosas: descorchando champán en la despedida de Soda en River, como si estuviese en un podio de Fórmula Uno, en fotos de fiestas mediáticas, en MTVs latinos, en los primeros videos de Soda… Cerati sí que no le tiene miedo al ridículo, ni a los sombreros, ni a la peluquería… Pero el momento para el Oscar debe ser cuando apareció disfrazado de Principito, con la Sinfónica Nacional en el teatro Colón, en el 2001, justo antes de que el país se viniera abajo. Ahora, en un programa de MuchMusic, Cerati habla de “guiños a lo Burton” mientras pasan imágenes de ese “concierto”.

“¡¡Guiños a lo Burton!!”. Por Dios, no se puede ser taaan pretencioso. Pero Cerati es así. Es capaz de encontrar más referencias que notas en una canción.

Cuando los demás le analizaron 800 choreos, él está preparado para hablar de 3.000. “¿Y tus colegas que opinaron de eso?”, le pregunta la conductora del programa…por lo de los “11 episodios sinfónicos”… “Bueno, eso no tiene mucha importancia”, dice Cerati, haciéndose el sota y con cara de me duele la panza.

¿Qué va a decir Cerati? ¿Qué todos los “colegas” opinaron MAL? ¿Qué haga lo que haga no importa porque está mal, siempre está mal para los demás? Todo está mal : el disco de canciones, el fantasma de Soda Stereo, el proyecto electrónico, la foto para la revista, la colaboración con Shakira, la participación del niño prodigio Benito, el ex noviazgo con Débora de Corral… ¿Qué va a decir Cerati?

¿Que son todos unos forros y que se vayan a la mierda total él se sigue embolsando la plata? ¿Que sus colegas le chupan un huevo mientras la gente lo vaya a ver? ¿Qué va a decir Cerati de los bichos que él alimentó y que ahora lo ignoran olímpicamente hasta en las entrevistas de una FM? ¿Qué va a decir de Dárgelos, por ejemplo, que se llena la boca hablando de lo visionario que fue Melero con respecto a Babasónicos y a Cerati no le da el menor crédito?

Dicen las malas lenguas (y en el caso de Dárgelos prefiero creerle a las malas lenguas) que este ensayo de cantante y símbolo sexual dijo hace un par de años en una reunión : “Más vale un Melero en mano que cien Ceratis volando”. Lástima que vos, Dárgelos, lo único que aprendiste de Melero es el chamuyo, que te lo vas a tener que meter en el tuje cuando ya no te regalen más títulos, y que con ese chamuyo no vas a influenciar a nadie, más que a un par de mentirosos que van a ir a pedir críticas de favor a alguna revista.

Vos no sos capaz de envejecer ni de agradecer, y aunque hiciste discos brillantes (“Miami” es un disco brillante, “Jessico” también) el pelo se te va a caer, los cachetes esos se te van a caer, el opio de Once te va a quemar la hipófisis y en el camino vas a pisar el palito mil trescientas veces. Yo quiero ver cuando se te terminen esos titulitos “transgresores” si tus shows van a sonar como los de Cerati, si tu voz se va a sentir así en un teatro. Y no lo quiero ver como una venganza, para nada, lo quiero ver como un deseo. Un buen deseo.

En el otro extremo está Leo García… Leo García que en un video que anda dando vueltas canta y se abraza chocho con Cerati. No, Leo, vos no entendiste nada. No entendiste que la cosa va de careteada. No entendiste que tenías que escribir letras adolescentes aunque fueras un viejo choto, no entendiste que podías ser gay y además tener una linda novia para la platea, no entendiste que no tenías que invitar a Cerati a tu último video, porque con nombrar a Melero y un par más en dos o tres entrevistas estratégicas ya alcanzaba… Y no digas bueno, yo a Gustavo lo admiro o a Gustavo le debo mucho, porque el afecto no tiene absolutamente ningún valor en este ambiente falso y mezquino, y porque no son pocos los que le deben mucho a Cerati, pero la corriente es hacerse el pelotudo.

El Treintown, el que estaba en el recital de Cerati, es una generación perdida, tibia, acomodaticia, arrastrada. Yo puedo presumir haber vivido varias décadas en una, como todos los periodistas de rock, con esa visión histórica tan cargosa y obsesiva que llevamos en la mochila.

En un recital así, por ejemplo, nos sentimos muy por encima de la media, con más información y poder de análisis y (encima) la capacidad de experimentar la cosa que no tendría jamás un forro superado y distante.

Pero yo tengo 35, estoy en el corazón del Treintown, y no lo puedo esquivar aunque me repugne. No lo puedo esquivar aunque baile como si tuviera 21, con el mismo treintown mirando asustado de reojo (éramos tres o cuatro tarados los que bailamos así en el recital y después me enteré de que nos estaba mirando todo el teatro, un bochorno…).

Al thirtytown lo agarró el menemismo cuando recién empezaba a trabajar y lo fulminó con sus 700 horas diarias de laburo, sus sueldos que alcanzaban para viajar al exterior y comprar discos importados y autos en cuotas. Lo reventó con su ilusión de vivir en un país estable, donde el peso nacional tenía el mismo valor que el dólar y era posible ahorrar.

Lo liquidó con su ecuación esfuerzo-ganancia-consumo. Al que eligió una carrera universitaria también lo sonó: cuando terminó de estudiar se encontró con que ese sistema de cartón había colapsado, que su título no servía para nada, y que con mucha suerte alguien le iba a hacer un contacto para rajar a España.

En su delirio consumista y workaholic, el Treintown es la generación que quería hacer dos programas de televisión, tres programas de radio y escribir en una revista. Es la generación que pretendía estudiar la carrera universitaria de mamá y papá, tocar en una banda de rock, escribir canciones, consumir drogas con cuidado e información pero tomar alcohol hasta vomitar el hígado.

Es la generación que se comió el sapo de lo alternativo y la consigna de no “transar con el sistema” mientras se empachaba de publicidad y de la compra-venta más compulsiva del siglo (pasado). Es una generación que nació estresada, acomplejada, encorvada, “despreocupadamente” sufriente. Y eso no da, no daba, nunca dio.

El Treintown trabajó tan a lo bestia en los 90 que antes de cumplir los mismísimos 30 ya quería jubilarse. ¡Queríamos jubilarnos a los 32! Tanto nos hablaron de las AFJP que en nuestras fantasías existía un plan especial para jubilarse a los 32 y dedicarse a leer los libros que no habíamos leído durante 10 años, ver las películas que nos habían recomendado y practicar esos deportes exóticos que solamente veíamos por televisión.

Pero el “retiro” imaginario no llegó nunca y el trabajo sólo trajo más trabajo y menos plata. Supongo que ahora, aggiornado, el thirtytown debe ser la generación que quiere tener tres blogs (y todos “actualizados”); un laburo estable para pagar el alquiler y la banda ancha, una pareja estable para… para que ayude a pagar el alquiler y la banda ancha; un par de hijos, sobrinos o mascotas; un lindo lugar para descansar (“porque trabajamos mucho y nos lo merecemos”) y, si es posible, un grupo de amigos compinches para no andar solo por ahí a la noche, o para ir acompañado a esos recitales llenos de adolescentes y veinteañeros amargos en sucuchos incómodos, con horarios chinos, baños sucios, tragos berretas y encima caros.

Hace unas semanas, cuando volvía del supermercado, me crucé con un grupo de adolecentoides que decían: “No, no vayas a tal lugar que se llena de viejos de 30”. La indignación me quemó la cabeza, cuando solamente me faltaban unos días para cumplir los 35. Tenía ganas de darme vuelta y mandarles: “Pendejos de mierda. Ignorantes. Cabezas de pene. Ni saben ubicar los continentes en el mapa. ¿Saben que hubo una Revolución Francesa y después otras revoluciones? ¿Escucharon a los Sex Pistols, a Joy Division, ustedes, idiotas? ¿Saben que levantaron un Muro de Berlín y después lo tiraron abajo? ¿Saben lo de los 30 mil desaparecidos? Con mucha suerte, a ustedes los habrá desvirgado una chabona borracha después de un recital de La Renga.

Pero con muuucha suerte. Capaz también que abrieron un blog para hablar maravillas del grupo más viejo que conocen… ¡Oasis! (si me dicen Miranda! me corto un huevo ahí nomás). Manga de inválidos mentales de la generación del chat, no pueden hablar, no pueden hilvanar una simple oración, sólo mandan mensajitos por celular. A los 17 ya tienen la mentalidad de un viejo verde que chatea. No pueden hacer nada face to face, los pendejos de mierda estos….”.

Cuando llegué a mi casa me di cuenta de que estaba elucubrando como un predicador norteamericano en los 50, cuando los adolescentes empezaron a bailar esa música de negros, esa música del diablo, “estos pobres chicos que no entienden nada…” Siempre me pasa eso. El Treintown es así. Medio facho y culposo. Yo convivo con el síndrome de Dylan que todavía me tritura el oído con eso de “vengan padres y madres, y no critiquen lo que no pueden entender”. Y lo odio. Lo odio pero no puedo curarme.

Cerati fue la bisagra de elección del Treintown rockero, que ha elegido seguramente sin darse cuenta, aunque nunca hayan guitoneado ese cantito repugnante de “Cerati se la come, el Indio se la da” o “Luca no se murió, que se muera Cerati la puta que lo parió”. Yo quería que me tragara la tierra cuando pasaba eso en algunos recitales.

Me daba vergüenza de los demás, de mí misma, de los que estaban en el escenario. No hay ningún nombre en el rock nacional que represente tan categóricamente una elección como el de Cerati. Por lo que deduzco, así nomás, y por esta única razón, que Cerati es el tipo con más personalidad del rock nacional. Es el copión más personal de su historia.

No creo haber sido la única que huyó de las huestes ricoteras (antes incluso de que existieran como tales) cuando, como dice un amigo, nos empezaron a invadir los fierita (y nos invadieron), o más específicamente en el 91, cuando el ambiente se enrareció con la muerte de Bulacio y el grupo (Solari en particular) tuvo unas actitudes repulsivas, y que con el tiempo se acentuaron, se hicieron cuasi patológicas.

Fue justamente un año después que aparecieron “Dynamo” y “Colores Santos”, y yo me acerqué a Cerati con mil reservas, mirando de reojo y con la nariz tapada, a través de terceros que me llevaron de prepo a ver la presentación de “Dynamo” a Obras, y yo lo disfracé de excusa de que sentía curiosidad por la movida del Nuevo Rock Argentino. Mentira… La verdad es que salí de ahí tarareando “Toma la ruta”, “Ameba”, “Camaleón”, “Fue”…. y antes o después, no recuerdo, me había enamorado de temas como

“Tu medicina”, “Colores santos”, “Hoy ya no soy yo.”

La verdad es que salí de Obras empezando a reconocer que yo jugaba en ese equipo, en el de la gente que laburaba en esos discos, en las influencias que tenían, los discos que escuchaban, los pasados, las conexiones… Yo sé que si a Cerati lo invitan a un programa pedorro de la MTV seguro va a elegir un video de Bowie.

Es una boludez, pero a mí me importa. Y el otro día canté a lo perro en el recital cuando sonó un extracto de “Jean Genie”, y aparentemente era la única que se daba cuenta del tema… Estaba contenta con esa pequeña porquería, un guiño al pasado, de viejos chotos, de muchos años.

Las diferencias, mientras tanto, todavía persisten, aunque los cantitos pidiendo por la muerte de Cerati se hayan acallado (mmm, no sé) y cada uno haga tranquilo sus negocios con su propio público. A pesar de ese tono conciliador de ex estudiante de la Universidad del Salvador, se nota que hace tiempo Cerati se hinchó las bolas de tanta popular de fútbol pidiendo por su cabeza, llenando estadios y comiéndose todos los halagos y la atención.

Pero ahora, por no haber más remedio, parece que se lo toma con un poco de sentido del humor. En los recitales de “Ahí vamos” intenta imitar a sus enemigos (¿?) con un socarrón “¿Vo’ queré rock, chabón?” y arrancando con una versión “chabona” de “Prófugos”… Lo mejor es que no le salió. No me refiero a la versión de “Prófugos”, que estuvo muy buena. No le salió el “acento chabón”, que debe ser lo más fácil de imitar en el mundo… Pero NO-LE-SALIO… Y está todo dicho.

No tengo muchas memorias de Cerati, y no creo que las vaya a tener, porque nunca me marcó como otros músicos. Pero hay tres cosas que jamás voy a olvidar sobre él: una es la bronca verde que me atacó cuando se subió al escenario de Boca a tocar con Sui Generis (esa versión patética de Sui Generis).

Lo hubiese ido a bajar a trompadas. Para mí como para tanta otra gente Cerati siempre representó (representó, remarco) un corte con el régimen dinosáurico de los 70. Claro que seguramente él lo vivió de otra manera, y no tiene por qué importarle cómo carajos quieran ubicarlo en un caprichoso mapa de décadas y tendencias.

Pero desde afuera y desde lejos yo lo vi como una necesidad de legitimación de estos tipos (García & cía), una especie de complejo de hermano menor… La segunda es la única vez que hablé con Cerati por teléfono. Como no quería caer en el molde de una entrevista rutinaria o complaciente, tomé el camino contrario y salí con los tapones de punta. Mal… me fue muy mal.

Cerati estuvo enculado durante toda la charla, a pesar de la locuacidad del tipo y la elegancia. A tanto llegó el clima de mala onda que al otro día la gente de la discográfica me llamó diciendo que Cerati pedía disculpas, disculpas por no estar “predispuesto” con ciertas preguntas.

Entonces yo no sabía si sentirme mejor o peor… La tercera es un detalle. Creo que fue en el 96, en esa ridícula exposición de “30 años de rock nacional”, en la que cada grupo tenía un stand (un stand…), cuando me detuve en unas hojas rayadas de carpeta de escuela que me llamaron mucho la atención. Mientras las letras de otros músicos estaban garabateadas en servilletas o en papeles manchados y arrugados, una letra de Cerati (no recuerdo cuál) estaba prolijamente escrita, con una caligrafía preciosista, en unas hojas blancas impecables.

Tenía algunas correcciones, pero nada de tachones. Había palabras tachadas (parecía hecho con una regla, lo juro) con una microfibra roja. Y voy a repetir lo de la microfibra roja porque es exactamente lo que no me puedo olvidar.

Siempre pensé que no es casual que no recuerde cuál era aquella letra, porque nada más me quedé fascinada con la forma, que es lo que suele pasar con Cerati. Y me fui de esa feria berreta con la sensación de haber descubierto algo : Acá hay alguien diferente a los demás pensé, y eso no puede ser malo, aunque envejezca.

http://contralascuerdas.blogspot.com

2006-09-05T17:35:00.000-07:00

Una de las bandas mas talentosas y turbulentas del rock actual, liderada por el genial y neurótico Anton Newcombe.

La música pop guarda una extraña relación con la enfermedad mental. Algunos de los mundos de felicidad e inocencia que compartieron generaciones fueron creados por mentes perturbadas.

El productor Phil Spector, por ejemplo, se peleaba con fantasmas que existían sólo en su cabeza, en las fronteras de la esquizofrenia, mientras creaba éxitos como "Be my baby".

Su equivalente inglés, Joe Meek, se suicidó despues de matar a su casera y conseguir algunos de los primeros grandes éxitos del pop británico. Los Beach Boys, sin ir mas lejos, deben gran parte de su mejor música al talento y a las visiones del torturado Brian Wilson, hoy celebrado como un genio.

Con la llegada del punk, la angustia tuvo otra forma de expresión, se acabaron las muecas de falsa felicidad. Hoy día, un grupo norteamericano prácticamente desconocido para el público continúa a su manera esa tradición de paraisos sonoros.

Anton Alfred Newcombe nació en 1967, en lo que se suele llamar una familia disfuncional. Su padre, un tipo bastante perturbado, desapareció de escena a las primeras de cambio. Años mas tarde admitiría haber sido un mal padre y se suicidaría el día del cumpleaños de su hijo. Su madre, ocupada en casarse y divorciarse, no tenia demasiado tiempo para atender las extravagancias de su hijo.

Un dia que la policia lo retuvo, la llamaron para que fuese a recogerlo y ella les dijo: "Ocupense ustedes de él, a mi ya no me apetece". Por aquel tiempo ya estaba claro que Anton, de 15 años, tenía ciertos trastornos de conducta. En concreto, era una persona completamente autodestructiva.

Su panorama personal no era (no es) demasiado extraño: Anton era "white trash", uno de esos jóvenes blancos desclasados, que abandonan el sistema educativo y son continuamente rechazados por el sistema laboral, sin ninguna perspectiva de futuro: carne de cañón para el ejército de los Estados Unidos o para esos trabajos basura que hacen funcionar a las multinacionales. Pero en el caso de Newcombe, estaba la pequeña diferencia de que tenía ciertas aptitudes para la música.

Pero no esa clase de música que hace que algunos jóvenes furiosos se suban a un escenario a berrear y a hacer algo de ruido con la guitarra para desahogar necesariamente su furia (Puede que haya tantas guitarras en Estados Unidos como pistolas). Anton era (es) un auténtico músico, un creador de sonidos.

En 1990 fundó Brian Jonestown Massacre. El nombre es un homenaje a Brian Jones, el primer guitarrista de los Rolling Stones, fallecido en 1969, y a la masacre de Jonestown, en la que doscientos miembros de una secta se suicidaron en un ritual colectivo, suceso que impresionó a un joven Anton.

La formación de la banda varió considerablemente en todos estos años, con mas de 50 miembros en total (El difícil carácter de Newcombe tiene bastante que ver con esto). Los más relevantes a través del tiempo serían el bajista Matt Hollywood y el percusionista y "portavoz de la revolución" Joel Gion. Después de unos años de rodaje, consiguieron cierto renombre local y en 1995 grabaron su primer disco, "Methodrone". Y era bueno.

Lo más asombroso fue que el año siguiente grabaron cuatro discos, y todos ellos fueron excelentes, incluyendo "Take It From The Man!", su obra maestra hasta la fecha. Y eran discos particularmente generosos: Cada uno tenía como diecisiete temas, y aun así parecía que a Anton y los suyos les sobraban ideas.

Pero paralelamente a este esplendor creativo, la vena autodestructiva de Anton cortaba la evolución del grupo. Inmediatamente fueron ensalzados por los críticos y se pusieron en el punto de mira de las grandes discograficas, pero cuando parecía que iban a alcanzar el éxito, Newconbe encontraba la manera de destrozarlo.

En un concierto organizado para ejecutivos de la industria musical con sus talonarios de cheques a punto, la banda tocó dos acordes y después se enzarzó en una violenta pelea, haciendo huir a los inversores.

La música de Brian Jonestown Massacre es una música atmosférica, envolvente. Anton Newcombe quiere crear un nuevo medio ambiente compuesto de sonidos. Miles de sonidos nos rodean en sus canciones: Panderetas, címbalos, violines, una armónica, un sitar, cualquier clase de instrumento, de cualquier cultura tiene cabida en este magma sonoro.

La voz es un instrumento más, sin ninguna preponderancia sobre el resto. Y en sus influencias musicales encontramos la misma exhuberancia. Generalmente ligados a la psicodelia, BJM recoge igualmente la herencia de los Rolling Stones, del country, de Bowie, pero también de las musicas tribales africanas, del folclore de la India y en general de cualquier cosa que les ayude a crear esa atmósfera musical.

Algunos dirán que son otro ejemplo de la tendencia revivalista de la música actual, pero a BJM les sobra la personalidad propia que a todas esas bandas de nueva hornada les falta.

"Disfruto creando inmersiones en medio-ambientes musicales, la suspensión de las creencias. Y soy bastante bueno en eso", me respondió Anton cuando le pregunté por qué la música era tan importante para él. El rechazo de la vida cotidiana puede dar lugar a la creación de universos de evasión, y la música pop es experta en estos temas.

En ese aspecto, Newcombe es un heredero de la tradición que comentaba al principio de este artículo. Lo que hace que la música de BJM sea tan original es que en ella la evasión nunca es completa, sus canciones están llenas de estructuras retorcidas, falsos finales, cambios de ritmo que desconciertan al oyente y ponen en cuestión las sensaciones que ayudan a crear.

Por eso, el último corte de "Thank God For Mental Illnes", su disco mas country, son simplemente treinta minutos de ruido de calle. Para recordarnos que, aunque podamos huir de ella momentáneamente (las canciones son eso, momentos), la confusión seguirá ahí.

Desde su momento mas bajo, allá por 1997, cuando fracasaron con su primer disco para una multinacional, BJM ha seguido por ahí, sacando discos igual de buenos. Anton se ha desenganchado de la heroina y han bajado la frecuencia de sus peleas en el escenario. Quizá el nacimiento de su primer hijo le hace plantearse la vida de otra manera.

En 1998 grabaron unas sesiones con el prestigioso DJ británico (recientemente fallecido) John Peel, aunque su número de seguidores no se ha elevado.

En 2003 se estrenaba un documental ("DIG!") que mostraba el lado mas histriónico de Newcombe, el de las peleas y las pataletas narcisistas, sobre todo las originadas por el triunfo de otra banda de la ciudad, los Dandy Wharhols, que hizo a Newcombe enfermar de envidia.

Ese aspecto mas morboso injustamente ha restado atención a la calidad de su música. En 2007 aparecerá su nuevo disco.

http://www.brianjonestownmassacre.com

2006-08-26T08:42:00.000-07:00

MATIAS KRITZ

MUSICO / PRODUCTOR En 1989 forma UNIDAD DE TRANSMISION primera banda industrial de la argentina junto a Carlos Shaw, actual SHAW POWER TRIO, con el tiempo, logran desarrollar una gran cantidad de seguidores y adeptos a este estilo, en 1992 ganan el premio a banda revelación otorgado por el Centro Cultural Recoleta.

En 1993 firman contrato con una compañia discográfica y realizan su primer EP de remixes titulado PRISION VIRTUAL, durante ese mismo año UNIDAD DE TRANSMISION realiza varias presentaciones entre ellas el AUDITORIO MAXI 1 y 2 sobre la Av. 9 de Julio en la cual logran agotar todas sus localidades y así dan paso a 2 fechas consecutivas en la CASA SUIZA, a fines del 1993 por una cuestión de gustos musicales deciden separarse y armar sus carreras solistas.

Así, en 1994 Kritz forma CARNE PARA CERDOS, un proyecto industrial que incluía a la programación una cuota de instrumentos convencionales (guitarra bajo y bateria). Al poco tiempo, presenta su primer EP titulado CPC con este nuevo proyecto logra llamar

la atención de los medios y entra su primer video en alta rotación en MTV, también realiza notas en MUCH MUSIC y una gran cantidad de periódicos, revistas y radios locales ROCK AND POP, EL CLARIN, PAGINA 12, ROLLING STONE, MADHOUSE, etc.

En 1998 presenta el segundo disco de CARNE PARA CERDOS titulado PAIN MANAGER, ese mismo año realiza la cortina del programa de ROCK AND POP (TIEMPOS VIOLENTOS), y hace su primer trabajo como productor artístico en el disco SUDAMERICAN PORNO de JESUS MARTYR, este disco es editado en España

por el sello REPULSE RECORDS, así Kritz comienza una gran cantidad de producciones para bandas como NOISELAB, 448, VIRTUAL, etc.

En 1999 firma contrato con EDEL MUSIC y reeditan PAIN MANAGER, al tiempo es contratado por la compañía de discos TOWER RECORDS, en la cual trabaja 3 años. En el año 2000 junto a UNIDAD DE TRANSMISION realizan una fecha con la banda belga FRONT 242 delante de 2500 adeptos de la música electrónica.

A fines de 2001 junto a Raúl Cariola, Osko Cariola (ex SANTOS INOCENTES) y César Andino (CABEZONES), forma la productora RESONADOR, con la idea de juntar fuerzas y conocimiento en cuanto a la producción artística, a partir de ese año Matías Kritz trabaja en producciones de bandas como CUNDEY MOLEN, SKINMASK, SUBLOW, INFIERNO 18, POOMPIWOM, CABEZONES (apertura de Tiempos Violentos) etc.

En el 2003, Kritz presenta su cuarto disco, el primero en español, titulado "Cruz de Noche" en este nuevo proyecto el cual lleva su propio nombre, Kritz aborda un sonido más electrónico en formato de canción, con una influencia mucho más inglesa que americana en cuanto al sonido, Cruz de Noche cuenta con la presencia de músicos invitados, como Raúl Cariola, Osko Cariola, Emilio Ihlenfeld (guitarrista de SOMA) Martin Delahaye ex bajista de PANZA y actual (202) y Diego Cariola (baterista de 202), Sara Ugarte ex vocalista y guitarrista de la banda chilena VENUS.

El disco contiene 11 canciones que recorren momentos distorcionados, climáticos y acústicos.

Hoy en dia KRITZ se encuentra como invitado tocando en vivo junto a 202 (Ex Santos inocentes) y grabando su 5to y 6to disco CARNE PARA CERDOS "Quantize life" y MATIAS KRITZ "Camino polar" la continuacion de "Cruz de noche".

Discografia

1993 Unidad De Transmision - Prision Virtual

1995 Carne Para Cerdos - Carnes Para Cerdos

1998 Carnes Para Cerdos - Pain Manager

2003 Matias Kritz - Cruz De Noche

ENTREVISTA

¿Cómo empezaste con la música?

Empecé a los 15 años con la idea de formar algo. Era una época en la que yo comenzaba a escuchar música electrónica como "Depeche Mode", "Front 242", "Nitzer Ebb".

En ese entonces me encontraba regresando de Frankfurt, Alemania, donde viví siete años, y justamente al regresar conozco a "Carlos Shaw", con quien luego armamos un primer proyecto junto a otro chico que cantaba.

Este último proyecto termino disolviéndose, y junto con Carlos iniciamos "Unidad de Transmisión", que fue nuestro proyecto más fuerte a nivel electrónico.

Más adelante tomamos la determinación de cada uno seguir con su proyecto solista, una vez que habíamos logrado objetivos en común, como el de tocar frente a mucha gente, tener un disco, tener un video, etc.

"Depeche Mode" "Front 242", "Nitzer Ebb". ¿Qué más estuvo entre tus influencias?

Las influencias fueron muchísimas, yo creo que la música que uno hace es el resumen de los discos que tiene en la casa. Muchas veces a uno, tanto la música, como un libro, como una película, le puede generar el entusiasmo suficiente como para crear música, y eso es lo único que importa. A veces después de ver una película uno compone algo, porque lo que vio le movió determinadas fibras o emociones que lo hicieron reaccionar ante lo vivido.

Siempre fui muy abierto con la música. Siempre y cuando esté bien hecha y con buen gusto puede ser apreciada sin importar el género ó estilo.

También trabajé tres años y medio en Tower Records, por lo que estuve en contacto con música muy variada, de la cual me influencié mucho.

¿Cómo llegas a los Sintetizadores en aquella época?

Bueno digamos que llegué a los sintetizadores por una cuestión de interés por la música que escuchaba; me daba cuenta de que todo lo que escuchaba estaba hecho con esa clase de herramienta.

El primer sinte que tuve, si mal no recuerdo, fue un Roland D-20. Un sintetizador que si bien para su época era bastante interesante, si hoy en día uno lo escucha no deja de ser una especie de 'Sound Canvas'. Como un gigantesco "preset".

No era lo que yo quería como instrumento, por lo que más adelante logré comprar un sampler W-30 de Roland, que bueno... conoces la frase: "Lo mejor de ambos mundos"? ... Esto era "Lo peor de ambos mundos". No era ni un sintetizador ni un sampler.

Como sintetizador era penoso, y como sampler no daba abasto ni para samplear dos notas, por lo que había que lograr un punto intermedio para poder usarlo y que realmente sirva. Al mismo tiempo, era como un gran compañero de otros sintes que usábamos con Carlos en ese momento.

Con el tiempo fuimos pasando por todos los sintes que se te puedan ocurrir... me acuerdo que tuve un JD-800, que era como un submarino, una cosa gigantesca con "veinte mil" knobs, faders, controles en general. Pero todo eso aplicado también a una especie de 'Sound Canvas' con la ventaja de su gran control en tiempo real, que hacía interesante al aparato. A nivel sonido, le seguía faltando algo.

Con el tiempo llegue a tener un Ensoniq EPS 16 plus. Un teclado muy bueno a nivel funcionalidad, si tenías una nueva idea, la podías plasmar rápidamente.Su única desventaja, como la de todos los equipos de esa época, era la inestabilidad. Muchas veces se colgaba y perdías todo tu trabajo.

También recuerdo el ASR 10, que era un modelo más moderno, con más memoria. Y cuando digo "más memoria" me refiero a 10 Megas ¿Te podés imaginar lo que podías hacer con esa cantidad de memoria?

¿Estudiaste? ¿Cómo aprendiste lo que sabés?

Bueno, principalmente tomé la determinación de dejar todo lo que hacía de chico, todo; para dedicarme plenamente al tema Música, lo que ya hace 17 años que sigo haciendo.

Mi determinación fue siempre vivir de lo que a mí me gusta. Uno normalmente ve por la calle y en todo tipo de ámbitos, gente que no es realmente feliz con lo que hace, trabajando en una oficina, etc. Eso me motivó como para dedicarme tanto.

Esta dedicación plena a la música fue lo que me llevó a conocer todo lo que sé hoy, siempre en base a "prueba y error", y fue lo mejor que me pudo pasar. Probé todo tipo de recursos, hice todo lo que no se debía hacer, y eso me fue formando también como productor, que es mi trabajo de hoy en día.

A lo largo de mi carrera apliqué lo que siempre digo: "90% práctico, 10% teórico" (y lo aplico también con mis alumnos).

Siempre probé todo. Nunca fui de leer mucho, ni los manuales; yo compraba un sintetizador, lo sacaba de la caja "Y que sea lo que dios quiera". Pero sí estudié canto durante 3 años y medio, cosa que me llenó mucho como músico.

¿Cómo fue lanzar un disco unipersonal con Carne Para Cerdos ? Contame sobre su producción.

En esa época se disolvía recientemente "Unidad de Transmisión" y la idea era cada uno seguir su rumbo. Mientras Carlos se fue más bien para el lado del Ambient, yo me orienté hacia algo bien Industrial.

Unidad de TransmisionLa idea era gestar un disco, pero realmente tenía ganas de salir a tocar ya que venía con toda la carga emotiva de tocar en vivo desde hacía años y no quería esperar tanto tiempo. Así arme un EP. Fue un EP bastante poderoso para

la época, estuvo compuesto en el 94' y editado en el 95'. Tenía 4 temas, 2 remixes... un disco que en su momento dio mucho de que hablar, fue muy bien aceptado en Mtv, Much Music, en la revista Mad House. Digamos que fue muy revolucionario para su momento, era un estilo de música que acá no se hacía.

Con respecto a la creación del disco, como te contaba, estaba totalmente montado en un sampler con 10 Megas de capacidad, y nada más, fue una locura, todas las grabaciones que hacía eran limitadas por la capacidad.

El que hoy en día sepa lo que verdaderamente son 10 Megas entenderá que fue como construir el puente de San Francisco con palitos chinos.

Como características específicas: las voces por ejemplo. Se trabajó mucho el tema de las voces distorsionadas, dándole un carácter más bien agresivo.

Fuiste muy reconocido con "Carne Para Cerdos ", fuiste invitado en varias oportunidades por diferentes medios... entrevistas, presentaciones, shows, ediciones... lo que calculo que te ha hecho sentir muy orgulloso. ¿Qué fue todo eso para vos?

Eso en verdad fue una causante de un disco hecho con mucho interés y pocos medios. Todo lo que surgió fue un momento generado por ese disco, obviamente son todas cosas que a uno lo ayudan en su carrera para poder comunicar a los demás.

Yo no soy una persona bohemia en cuanto a lo que hago, a mí me gusta que lo que hago se escuche. Me parece un poco increíble esa teoría de "Tocar para uno", si uno toca es porque realmente quiere mostrar lo que hace. Si el que toca para uno hace un disco, lo saca a la calle y a nadie le gusta, muy feliz no va a ser.

Todo eso que viví con "Carne para cerdos" me ayudó en mi carrera más que nada para lo que yo quería, que era trabajar en producción. Yo soy más que nada un "bicho de laboratorio", me gusta mucho trabajar en el estudio, trabajar para otra gente, interpretar lo quieren y poder llevarlo a cabo.

En el 2000 "Unidad de Transmisión" tuvo una eventual reaparición. ¿Cómo y por qué pasó?

Fuimos convocados para tocar con "Front 242". Nos llamaron para ver si queríamos juntarnos (Matías Kritz y Carlos Shaw) y hacer esa fecha. Fue increíble. Era nuestro sueño desde chicos lograr tocar con "Front 242", "Skinny Puppy", "Front Line Assembly", todo ese tipo de bandas, pero más con "Front 242" que era como nuestro pilar más importante en cuanto a la música que hacíamos. Teníamos muchísima influencia de Front y tocar con ellos era algo increíble para nosotros.

Obviamente nos cayó en un momento muy bueno, porque cuando uno es chico existen muchas cosas que no entiende. Tocar con ellos de más grandes se disfrutó de otra manera, fue un gran momento, que obviamente nos motivó para decir "Saquemos a 'Mazinger' a la calle de nuevo".

También lo que vivimos en ese momento fue mucha onda. Hacía siete años que no nos subíamos a un escenario y nuestra participación era sorpresa, nadie sabía que íbamos a tocar y cuando salimos la gente se emocionó mucho, realmente les gustó que estuviéramos ahí, se notó mucho.

En mi página (www.matiaskritz.com) hay un video de "God light and Burning machines" de ese momento donde se puede escuchar a la gente gritando "¡Unidad!", es increíble.

Hay más discos tuyos, como "Pain Manager" y "Cruz de noche", que contrastan muchísimo en lo que es género y objetivos. ¿Cómo surgió hacer algo diferente a lo que venías haciendo?

Lo principal es mantenerse fiel a uno mismo. Mucha gente a eso le llama "repetirse", es decir, a través de los años seguir haciendo lo mismo. Para mí no. Para mí mantenerme fiel significa respetar mis emociones de cada día, si hoy siento que necesito hacer un disco en español, tranquilo, muy 80's, lo voy a hacer. Y si mañana quiero gritar y decir las cosas más horribles de la manera más hermosa, también lo voy a hacer, eso es mantenerse fiel a uno mismo.

Si yo pensara en un formato más comercial, por así decirlo, hubiera re-armado "Unidad de Transmisión" en el momento de la explosión de toda la música electrónica y no lo hice. En el 2000 hubiera re-armado "Carne para Cerdos" y no lo hice. Y en el momento en que de cierto modo el 'Industrial' estaba en auge en nuestro país, saqué un disco de canciones, cantado en español.

Eso me da la felicidad a mí de hacer lo que realmente me gusta, si después funciona a nivel ventas, seguidores, etc. ¡Excelente! Pero yo no podría hacer un proyecto planeado, yo me siento en mi estudio y lo que sale es lo que explota en ese momento en mi mente.

Sí, quizás sea terrible para lo que pueda ser la continuidad de un fan o alguien que se aferró mucho a la música que hice en otra época, es como un balazo de agua caliente tras uno de agua fría, pero quizás mi estilo es no mantenerlo.

¿Cómo llegas a la producción? ¿Fue algo que surgió o más bien algo que cultivabas?

A la producción llegué más bien por el disco de "Carne para Cerdos", "Pain Manager". Había una búsqueda importante de lo que es texturas y sonidos en el disco, cosa que llamó la atención en ese momento, ya que las bandas recién empezaban a buscar esa cosa híbrida agregándole máquinas al Rock y guitarras al Techno, como las bandas inglesas tipo 'Jesus Jones' ó 'EMF', que mezclaban todo.

En ese momento se contactaron conmigo las personas de 'Jesus Martyr'. Me mostraron lo que hacían y me pareció increíble, por lo que acepté realizar la producción del disco. Fue realmente muy exitoso, "Sudamerican Porno" fue un disco que se editó en España y en varias partes del mundo, ellos giraron por todo Europa, y tocaron con todas las bandas conocidas del género. El disco también estuvo 9º en radios de Massachussets, fue una movida muy buena.

A mí personalmente, me despertó el hambre de productor porque siento que hice un muy buen trabajo para la forma en que se grabó, ya que se hizo de una forma muy precaria. En 80 horas se grabó un disco de 16 temas, 80 horas no es nada, son sólo 4 ó 5 días.

Desde ahí hasta ahora ya llevo 100 discos producidos, junto con los hermanos "Cariola" (Ex Santos Inocentes), con ellos armamos una productora llamada "Resonador", y nos dedicamos a eso hace varios años ya.

Trabajamos por proyecto, no trabajamos por hora. Yo no acepto a una banda si no me gusta, cosa que hace que las emociones que pueda transmitir a ese disco sean mucho más importantes que si estoy pensando en las horas que pasaron y en cuanto puedo llegar a cobrar. Eso logra imprimir otro tipo de energía en las producciones.

Me gustaría saber sobre cómo trabajás, más bien sobre tu "estudio hogareño". Contame cómo lo armaste, sus características, equipos, etc.

Mi estudio lo vengo haciendo desde la época de "Unidad de Transmisión". Es hogareño por el simple hecho de que esta en mi casa, pero tengo cosas muy puntuales que elegí para trabajar. Principalmente, el ámbito donde trabajo es 100% digital, ya que permite la edición que es mi herramienta más fuerte, pero también este entorno carece de la calidez que traen la cinta de 2 pulgadas, la válvula, etc.

Por eso trabajo con lo mejor de ambos mundos, el entorno Protools para todo lo que es la captura y preamplificadores valvulares. Tengo un Avalon 737, que es un Preamplificador valvular con compresión y ecualización, por ahí paso prácticamente todo lo que es contundente e importante, como ser voces, guitarras, bajos, algún bombo, algún redoblante. Es como mi arma secreta, que en este momento esta dejando de serlo...

Home Studio de MatíasTambién tengo otro Preamplificador que es excelente, es de una marca que es muy económica en el mundo, que tiene modelos de muy buena calidad, el Behringer Ultragain T1953, que en verdad es un Pre con un quemador de válvula. Lo uso generalmente para pasar algún Sinte por ahí. La combinación de estas dos cosas es fundamental, preamplificadores valvulares para darle calidez y el entorno digital para poder editar.

En lo que respecta a la composición, siempre trabajé con hardware, con Sintes y samplers. Mi sampler "main" durante años fue el AKAI S3000 XL con todas sus expansiones. Fue el sampler que usamos en la parte final de "Unidad de Transmisión" y en "Carne para Cerdos".

Obviamente, con el desarrollo de la tecnología y las placas capturadoras cada vez son mejores, el sampler pasó a ser obsoleto. Lo bueno de un sampler de hardware es la presión sonora que se logra con el aparato, por el Pre interno que trae, pero nada se cambia por la edición en pantalla de hoy en día, hay un cúmulo de software virtual que posibilitan la edición en pantalla con mayor flexibilidad, sobre todo sabiendo que soy una persona que viene de una época en la que la edición en pantalla se reducía al tamaño de un reloj.

Ahora tengo una pantalla de 19'' con un editor, ¡Me muero de risa! Lo disfruto muchísimo porque sufrí lo que era trabajar en pantalla con dos números rojos.

Mi secuenciador "main" fue siempre el Cakewalk 3. Me parece simple, trae lo que hay que usar, no trae pantallas fantásticas que terminan por molestar, son cosas que uno entiende cuando esta trabajando 15 horas por día. Ahora hay toda una gama de secuenciadores que traen audio, plataforma VST y DX integrada, etc. Pero no son amigables, traen una interface que no es para cualquiera.

Actualmente estoy trabajando mucho con sintetizadores virtuales por una cuestión de comodidad y rapidez, estoy en un momento creativo muy importante y la verdad es que entre que uno conecta todos los equipos, las ideas se pierden un poco.

Más adelante, cuando termino mis composiciones paso todo lo realizado en software a Sintetizadores de Hardware, como el Access Virus, TX 81 Z, Oberheim Matrix 1000, Korg Prophecy, MC 505, etc. Todo vía midi, y así empieza la grabación de verdad.

¿Tu software preferido para componer y editar audio?

Para editar trabajo muchísimo con Wavelab 5, para todo lo que es edición Stereo. Para secuenciar: Cubase SX 3, Cakewalk 3 y 9, y veces también con Sonar. Trabajo con muchísimos programas, y con todo lo que es VS

¿El mejor sinte que tenés o tuviste?

El mejor sinte que tuve fue sin duda es el ACCESS VIRUS. No hay con que darle. Es lo mejor que hay a nivel audio y estructura. Como está construido por dentro, es una pieza de ingeniería espectacular. Los sonidos son devastadores, tiene mucho más peso que cualquier otro sinte.

Tiene un sistema operativo abierto, se desarrollan siempre actualizaciones e incluso nuevos sistemas operativos con herramientas nuevas. Soy realmente un fanático del Access.

¿Y en tus principios? ¿Con qué empezaste a componer/producir tus primeras creaciones electrónicas?

El primero que tuve fue un D-20 de Roland, como te había comentado. Era un Sinte que traía disquetera, lo que lo hacia increíble,

ya que normalmente en esa época todos los sintes tenían una memoria interna donde guardaban las canciones y era muy común que el sinte se tildara y perdieras todo. De hecho una vez me pasó un día antes de tocar en vivo, perdí todas las canciones. Y hay cosas, obviamente, dentro de la Música Electrónica que no son un acorde, sino una secuencia con "30 mil" notas y muchísima automatización.

¿Lo solucionaste?

Sí. Con éste fui piadoso (entre risas), en otra oportunidad recuerdo haberle dado un "masazo" a un Ensoniq ASR 10. Una piña en el display. Obviamente son esos arranques que uno tiene y que al segundo de haber explotado todo, se arrepiente. Por suerte el display me lo cambiaron gratis.

Muchas de tus obras tienen "algo particular" que se escucha en tus discos y no en otros. Contame sobre alguna técnica que, según vos, haya sido clave para tu música.

Quizás siempre busqué que los discos suenen como en ese momento yo quería que sonaran. También está hecho de que siempre pensé en el tema de la producción, cuando en aquellos años nadie se molestaba en eso, todos querían ir al estudio, grabar y nada más.

Tal vez la particularidad que tienen los discos es la mezcla de elementos y la búsqueda de sonidos, más allá de todo esto no tengo una técnica determinada. En su momento lo intenté lograr con un sampler, después con una Tascam DA38 que es un multipista de cinta digital, y hoy en día lo hago con los medios que tengo a mi alcance.

En la actualidad ¿Cuál es tu concepto de "Musica Electrónica"?

Música electrónica es un medio con el cual se hace música. Yo puedo hacer música electrónica y estar llegando a un destino totalmente diferente de lo que es un bombo en negra y una TB 303.

Para mí la música electrónica está dada por la forma en la que uno compone, que puede ser variada en un 100%, de hecho mucha cantidad de nombres y estilos me parece parte de un Snobismo muy grande, por una cuestión de que los músicos quieren diferenciarse de los demás.

Existe el Jungle y el Drum and Bass, el Big beat y el Breakbeat, que vienen todos casi del mismo lugar, se diferencian quizás en que uno trabaja con el bombo a determinado volumen y el redoblante con determinada selección, pero las programaciones son muy parecidas. Por lo general lo que varía es el nombre y no tanto la música.

En otras palabras, Música electrónica es lo que está hecho a partir de un sintetizador, con equipos electrónicos, con hardware.

No involucra tanto a un estilo ó un género musical, es más bien un recurso, una herramienta.

Acá mismo (su estudio), si se corta la luz, todo lo que armamos con una docena de equipos no nos sirve de nada y la música la tendríamos que tocar con una guitarra criolla. Eso es la música, lo demás son recursos.

¿Y en general? ¿Creés que la gente entiende realmente el concepto de la "Música Electrónica"?

En verdad las emociones no hay que entenderlas. O te gusta o no te gusta. Ahí está el final o el principio de lo que puede llegar a pasar con tu música. Si uno tiene que explicar la música que hace, ya está en un serio problema.

Siempre te vi como un tipo al que le gusta enseñar. No sólo das clases personales, sino que diariamente orientás y respondés preguntas a personas de diferentes países. ¿Creés que está bien difundir los conocimientos y enseñar?

Sí. Me parece que si yo me tome diez y siete años de mi vida para aprender ciertas cosas y le puedo ahorrar a una persona así sea una hora de estar buscando la forma de hacer algo, lo voy a hacer.

Pero bueno, mucha gente lo ve distinto, he recibido mails preguntándome si estaba loco por dar tal o cual información y no guardarla para mi, y no me parece bien, si puedo explicarle a alguien cómo hacer que un bombo patee más, por ejemplo.

¿Cuál es el problema? ¿En qué va a variar mi vida? Por contrario, hay alguien que estará contento porque su bombo patea más que antes y su track suena mejor.Todo eso no va a cambiar mi forma de ver el mundo, ni mi vida en lo absoluto, es simplemente una forma de dar buena onda.

Aparte a mi también me sirve, muchas veces la gente pregunta cosas que yo realmente no las sé y tengo que investigar para contestarles correctamente, lo que me hace seguir aprendiendo y poder seguir transmitiéndoles nueva información.

Lo mismo en mis clases con mis alumnos, yo sinceramente no vivo de eso, lo hago más bien por gusto, me produce una gran satisfacción ver cómo un chico que viene a aprender conmigo a los meses de haber empezado ya se nota su progreso, cómo fue capaz de absorber la información transmitida.

Si tuvieras que darles unas palabras a aquellos que quieren entrar en la musica electrónica como artistas ¿Qué les dirías? ¿Qué consejo les dejarías?

Bueno, ante todo considerar que el hacer música electrónica depende mucho de nuestra herramienta de trabajo, que es una maquina.

A nivel técnico, comprar una PC o MACINTOSH, la que sea, pero lo más poderosa posible (dependiendo de las posibilidades económicas, obvio), ya que sobre ella se van a montar todos los programas para hacer la música y si estos últimos no funcionan bien, el momento va a estar arruinado.

Seguido de esto, la placa de audio, porque la placa es la que nos va a dar la resolución y la calidad general del audio de nuestro sistema.

Home Studio de Matías 2Y lo más importante (haciendo mucho hincapié) es el monitoreo. Los parlantes son los compañeros del oído, y si no hay un buen monitoreo, todo lo que hacemos es "mentira". Obviamente hablando a nivel producción, yo puedo hacer una canción con mal monitoreo, pero para al que le interesa sonar bien, si no tiene un buen monitoreo está "en el horno".

¿Con respecto a los estudios?

Siempre el instruirse es positivo. No existe el "voy a estudiar y será peor", eso es justamente lo que afuera hace muy buenos a los músicos. Por ejemplo, afuera hay cultura de canto, uno va a ver una banda a cualquier bar chiquito y suena. En general las bandas suenan, los cantantes cantan de verdad... hay otra cultura, la cultura de estudiar.

Hay cosas dentro de la orientación del músico que son fundamentales, por ejemplo si es un baterista. Un baterista que no estudia es imposible que sea bueno, puede tener onda, pero a nivel ejecución va a tener problemas, porque es algo físico, hay que tocar mucho.

Un guitarrista o un bajista puede ser autodidacta dentro de todo, pero un cantante no. Puede caer también en el tener onda y que guste, o mismo por su estética, pero tiene que estudiar si quiere ser técnico, y cantar bien, llegar a ciertas notas, aplicar bien la técnica.

Sé que estas pensando en un nuevo disco... ¿Nos podés contar un poco de que se trata?

El disco es la continuación de "Carne para Cerdos". Es un momento distinto al que viví con "CpC" hace mas de diez años atrás. Obviamente en ese momento yo tenia 17, 18 años, era otra la estética, gritaba, mucha distorsión. Hoy en día, con 32 años, la estética que voy a manejar es otra.

El concepto de búsqueda es el mismo, lograr sonidos, secuencias, cosas que estén un poco atemporales, pero digamos que va a ser un disco muy cantado, van a ser canciones, van a haber muchos momentos de caos y momentos de tranquilidad.

Va ser un disco sin ningún tipo de limitación en cuanto a lo que es un rótulo. Mucha gente quizás espere un disco como los que hice hace diez años atrás, y eso no va a pasar. No voy a gritar ni a estar en llamas como lo estaba entonces, pero si es la continuación de esas sensaciones que yo tenia de más chico, hoy en día.

Hay mucha secuencia electrónica, mucha programación, guitarras poderosas, mucha armonía de voces. Va a ser un disco muy interesante, pretencioso en cuanto al audio como siempre, pero con la ventaja de que ahora ya tengo 100 discos arriba.

¿Hay alguna fecha estimativa de lanzamiento?

No, por ahora tengo 20 temas, 8 trackeados con voz. Tengo las fotos, un video, digamos que un trabajo importante hecho a nivel disco. Pero todo este proceso de conversión de lo virtual al hardware es un proceso de meses, no es algo para hacer en una semana. Elegir cada uno de los sonidos lleva un tiempo horroroso.

Asimismo, tengo un método de trabajo ya organizado como para tenerlo a mitad de año, por el momento es sólo una estimativa, ojalá llegue.

¿Qué opinas sobre la música libre y el compartir la música?

Si existen los mp3, y existe la piratería y todo esto, supongo que es porque las compañías pretenden pagar el video, la guitarra, las fotos, la recepcionista, el mantenimiento, todo, a partir del disco.

Hacer un disco sale $3, y sale $30 en la disquería. Si un disco costara $10 pesos todos lo comprarían ¿O acaso a nadie le gusta tener el arte, la tapa, el librito, etc? Todos lo comprarían. Pero bueno se les fue de las manos, hicieron que un disco sustente una empresa y no es así.

También pasa lo contrario, a veces la gente va comprar un disco que sale $5 y dicen ¿Por qué es tan barato?

Debe ser malo... Pero bueno, con el tema de los reproductores portátiles, los mp3, el compartir música, hay otra visión de la música. Hoy en día la música no se tendría que vender más, yo mis discos, por ejemplo, los regalo en mi página además de venderlos en una disquería.

Pero en fin, es toda una etapa de proceso que estamos viviendo a la que le falta madurar.

http://www.matiaskritz.com

http://www.myspace.com/matiaskritz

http://www.myspace.com/carneparacerdos

2006-08-15T16:52:00.000-07:00

The Flaming Lips (Wayne Coyne)

Con su actuación en la pasada edición del festival Primavera Sound, la banda liderada por Wayne Coyne ratificó su condición de gran banda alternativa de las dos últimas décadas.

Venían los de Oklahoma a presentar su último trabajo, el irregular "At War With The Mystics", y volvieron a levantar un aquelarre orgiástico para los sentidos, desbordante en confeti, pompa, fiesta y sangre hecha a base de jarabe de fresa.

Es el show con el que llevan fascinando al mundo entero desde que se lanzaron a la carretera para presentar "The Soft Bulletin" (1999), disco que marcó un punto de inflexión en su trayectoria al abrir su música a un público más amplio sin perder un ápice de originalidad y actitud libérrima.

Ya no son los terroristas sonoros bañados en ácido de sus primeras obras ("Hear It Is" es pura esquizofrenia), ni los majaras líderes del Indie Rock de la primera mitad de los 90 (cuando "She Dont Use Jelly" cautivó a la generación MTV); entrados en los 40, Flaming Lips son la banda que más y mejor ha crecido dentro del panorama rock internacional de los últimos 20 años.

www.flaminglips.com

Las 10 Canciones Que Más Escucho Ahora

01. Gnars Barkley - Crazy

02. Wolfmother - Love Train

03. Goldfrapp - Satin Chic

04. Yeah Yeah Yeahs - Gold Lion

05. Deerhof - Sirius Star

06. The Beatles - Revolution

07. Peaches - Tent In Your Pants

08. Andrew Oldham Orchestra - The Last Time

09. Midlake - Branches

10. Sufjan Stevens - Chicago

Xiu Xiu (James Stewart)

Con apenas un lustro de vida, Xiu Xiu, el proyecto liderado por el californiano James Stewart, ha logrado situarse como una de las formaciones más interesantes del Indie estadounidense.

Pese a que sus primeras grabaciones denotaran influencias británicas (Joy Division, The Cure, The Smiths), Stewart nunca ha querido que Xiu Xiu se convirtiera en un grupo previsible, por lo que no ha dudado en romper esquemas y pervertir su sonido a base de synth-pop, post-punk, ruidismo, improvisación y otras alteraciones de la matriz pop.... ahí está su 10" compartido con Deerhof.

Como demostraron en su actuación en el Primavera Sound 2006 durante la presentación del aclamado "La Fôret" (Acuarela), Xiu Xiu no dejan indiferentes, provocan admiración o rechazo; como sólo saben hacer los grupos con personalidad y talento.

www.xiuxiu.org

www.acuareladiscos.com

Mis favoritas

01. The Smiths - How Soon Is Now

02. Who Da Funk - Shiny Disco Balls

03. Joy Division - Love Will Tear Us Apart

04. Deerhof - Koneko Kitten

05. New Order - Ceremony

06. The Carter Family - Worried Man Blues

07. Nina Simone - He Needs Me

08. Jay Z - Dirt Off Your Shoulder

09. This Song Is a Mess But So Am I - Brother

10. OMD - The New Stone Age

2006-08-09T13:49:00.000-07:00

DANIEL MELERO

Músico y productor multifacético, un protagonista indiscutido de la historia del rock argentino. Sin embargo, él elige definirse de una manera más trivial. "Un chico de Flores, que nació en la casa de sus padres con la televisión encendida en el living.
Eso soy yo".

Si bien ese chico de barrio está en sus orígenes, la figura de Daniel Melero adquirió una dimensión mucho más amplia. Además ya no vive en Flores.

Tiene su departamento sobre la Avenida Del Libertador y nos atiende en su "oficina", unamesa del bar contiguo a su domicilio.

Un lugar donde se maneja con absoluta familiaridad y todos lo saludan amablemente, especialmente los porteros de los edificios vecinos. "Debe ser por eso de haber sido de Los Encargados", se excusa.

¿Dónde encaja el músico?

El músico es una consecuencia de la época. Soy un oyente que ascendió a músico. Me formé cuando el rock era algo under.

No había un mainstream y no se sabía cómo se entraba a un recital.

Ni cómo salías...

No se sabía a dónde ibas a dormir después. El rock era todo un misterio. Para mí fue muy fuerte ver ese rock seminal, comprendí al rock mucho más como una actitud y una forma de vida que como una música. Yo ya tenía la forma de vida, hacerme músico fue el paso más chiquito.

Cuando Daniel Melero tomó la decisión de hacer se músico, a pesar de la opinión de sus padres, lo primero que se compró fue una caja rítmica en una casa de instrumentos del barrio. Pero el rock nacional de entonces no era lo que más le atraía.

Prefería escuchar discos de Roxy Music, de King Crimson, Brian Eno.

"Yo escuchaba a Los Beatles pero no entendía cómo funcionaba el estudio de grabación como instrumento, entonces absorbí toda esa información e instantáneamente a las dos semanas era músico, malo pero era músico", se ríe.

Su incursión en la música lo llevó a transitar caminos diversos, aunque siempre manteniendo una misma actitud, la del rock.

"A veces soy un rockero que hace música electrónica, a veces soy un rockero que flirtea con el pop, a veces soy un rockero que hace discos de rock, pero soy rockero siempre - asegura-. Falta el Melero heavy que es el que están pidiendo todos mis amigos. Pero la verdad es que lo que viene es un Melero muy rockero".

¿Tu carrera artística refleja esa forma de vida?

Mis discos son muy cambiantes de unos a otros, yo no soy tan cambiante en cuanto a los compromisos que asumo en la vida, por ejemplo soy casado - dice mostrando la alianza que lleva en el dedo.

En mis relaciones personales tomo compromisos a muy largo plazo, soy ritualista, pero en la esfera de los pensamientos o de las visiones abstractas, soy continuamente cambiante.

En ese aspecto sí mi gusto artístico cambia continuamente porque yo entiendo cada disco, cada cosa que veo, cada ropa que alguien se pone, todo me está diciendo algo, todo lo interpreto como mensaje, no creo en la comunicación pero sí en la comunión. El mensaje existe y uno comulga con eso.

¿Ese cambio tiene que ver con haber formado bandas y pasar a ser solista?

Tiene que ver con que soy rockero, para mí el rock es cambio, el rock es mutante. El rock es eso que no sabes donde po- nerlo y que te deja en una actitud de desconcierto. A mí me gustan los desconciertos de rock más que los conciertos.

Estamos hablando de rock pero vos estás catalogado como un artista pop...

Yo creo que hice los discos menos pop de la Argentina, como Operación Escuchar, Recolección Vacía. No me preocupa cómo me vean los demás, yo sé como funcion a este aspecto mío y tampoco pienso en términos de "uy, qué tan rockero puedo ser hoy", porque en general lo que yo hago todo el tiempo es componer, grabar. La mayor parte de la música que hago no la edito.

Edito solamente la que me parece que es algo interesante para decir. Yo creo que un artista que hace siempre lo mismo es una persona que te repite las cosas como si vos fueras un idiota que no entendió y ya si lo seguís comparando es porque de verdad te merecés ese trato. Hay grupos que yo pienso, me encanta la banda pero no entiendo para qué hicieron otro disco, con uno me alcanzaba.

Con respecto al pop, en los 60 la música pop eran los Beatles, ¿ahora qué es la música pop?

Para mí el pop es el hijo del matrimonio de la cultura alta con la cultura baja Es una entidad artística que tiene los conceptos de la cultura alta expresados de manera que los pueda entender alguien que no pertenece a la elite. Un buen artista pop baja ideas complejas a personas que no manejan ese sistema de ideas y que puede interpretarlos a través de elementos de su vida cotidiana.

Los Beatles son pop porque están mezclados con George Martin, que es un tipo que tiene un manejo de la cultura alta y esa interrela ción produce un fenóme- no pop. La VelvetUnder ground tiene a Andy Warhol y es un grupo que es pop, tiene elementos rockeros pero ahí hay un matrimonio. Yo entiendo que el pop es un vínculo entre dos universos culturales y una sola vida.

¿Acá hay músicos que hacen ese matrimonio?

No, por ejemplo Leo García para mí no es pop. Lo que llaman rock parecería ser que es una música que se alimenta del rock, pero el tema es que el rock se alimenta de elementos exteriores todo el tiempo. Pueden ser profanos o de cultura alta, pero hay películas que tenés que ver, libros que tenés que leer para ser rockero. La universidad del rock tiene un contexto.

La universidad del pop actualmente es alimentarse de cosas que están envueltas en su mismo fenómeno, entonces se alimenta de lo que sucede en los lugares donde se junta gente masivamente cuando en realidad el pop se alimentaba de los lugares donde no había gente.

Se alimentaba de las galerías de arte, de los shows a los que nadie iba, de la música electrónica cuando era un misterio. Creo que en este momento estamos ante una música populista pero no música pop.

¿Alguna vez te consideraste un artista de vanguardia?

No, nunca. Podría ser de vanguardia para un mercado que se mantiene retrogrado… No me puedo hacer cargo de que los demás sean de retaguardia.

En el mejor de los casos, he sido y soy contemporáneo. Si uno observa mi discografía en perspectiva histórica, lo que se ve es que son discos de esa época.

Muchas veces fui víctima de la agresión de multitudes como en B.A.Rock. O del poco aprecio de cierto sector por apoyar a proyectos que parecían no tener sentido. Hay precios que pueden ser trágicos… no es lindo sufrir la agresión de 5.000 personas que te tiran desde choclos a botellas llenas de pis.

¿Sentís que fuiste cuestionado por buscar tu arte en el mundo del rock?

Sí, pero es lo que buscaba. A mí me halaga que me cuestionen.

¿Por la ruptura que se produce?

Yo me siento más un tirabomba, un terrorista, un hábil declarante. Yo podría no haber hecho ningún disco e igual sería rockero, mis declaraciones alcanzan y ya generan todo un problema.

¿Pero no está medio institucionalizado eso de que Melero genera ruptura?

Sí, a mí me tiene podrido eso, inclusive me parece aberrante que yo sea el representante de lo nuevo, porque soy un viejo. Yo debería ser clásico, nada más. Igual creo que llegué a una estatura medio de clásico. A mí se me reconoce más por el boca a boca que por haber oído mi música.

¿Eso te molesta?

No, al contrario, creo que es un logro. Que hayas hecho discos que no le importaron a nadie y que te reconozcan, es algo fabuloso, quiere decir que hay algo que trasciende al mercado. En este momento donde todo se mide de acuerdo con el parámetro de que sos bueno si tuviste repercusión masiva, llegar a que te digan que vos sos algo y vendés dos mil discos...

Las canciones de Melero son poesías que abordan la temática del amor desde aristas cotidianas.

¿Por qué siempre tus canciones hablan de amor?

Creo que existen muy pocos sentimientos. El miedo, la pasión, el odio, el amor. La pasión yo la entiendo como un péndulo entre el odio y el amor. Es un sentimiento de mucha confusión. Yo viví pasiones que me hicieron muy mal al estómago y decidí que no podía ser que mi estómago se arruinara de esa forma. La pasión es algo que descarté de mi vida hace muchos años.

El odio es una pérdida de tiempo, es un vínculo muy fuerte y desgastante, no es retributivo. El miedo, tengo que vivir con él, a veces hablo de los miedos. El amor yo lo entiendo como el compromiso. Mis canciones de amor no son de despecho, no son de abandono.

Yo vivo el amor, no sé si estoy enamorado porque el enamoramiento es un estado demasiado irreal, que es hermoso y que dura un tiempo pero que no es tan comprometido. Es un estado hormonal muy fuerte, pero prefiero la persistencia del compromiso y ver a qué nuevos conflictos lleva eso.

El amor no es un te rritorio sin conflicto, justamente el enamoramiento te hace creer que no hay conflicto y eso es algo que me desagrada porque la vida es conflicto y es todo el tiempo tener que reacomodar.

Si hubiese ese estado como de limbo del amor, sería lindo un tiempo, pero después sería un plomazo, no habría arte.

¿Te afecta la situación social actual?

Sí, me afecta mucho, pero no voy a dejar que las 24 horas del día me aplasten. Lo que sucede es muy fuerte y te puede destruir fácilmente, lo cual no quita el hecho de que vivo angustias y ansiedades tremendas. Pero mi problema es que estoy en contra de los militares y también en contra de la democracia, yo soy anarquista.

Y llevás ese pensamiento político a la música.

Sí, exacto. Pero yo no utilizo la música como un lugar para bajar línea porque creo que los artistas que lo hacen necesitan que las cosas sigan igual porque si no se les acaba la fuente de ingreso.

Daniel Melero fue productor de grupos como Los Brujos, Soda Stereo, Victoria Mil, Juana La Loca y Leandro Fresco.

¿Te incomoda que categoricen tu música?

Me preocupa cuando veo muy claramente quien soy, porque no me resulta confiable. Por ejemplo, ahora vengo dando muchas entrevistas y después de cada una estoy dispuesto a poner en duda cada uno de los conceptos que utilicé. Generalmente termino haciendo discos que aparentemente son opuestos por haberme oído decir cosas de mi disco que me parecen repugnantes y no resisto no poner en duda cada uno de los criterios que empleé. En el momento en que estoy hablando de un disco ya estoy dispuesto a destruirlo, teóricamente al menos.

¿Cómo sos como productor?

Yo me siento como el director de una película pero no me interesa que las imágenes sean las que yo proponga. Mi idea de producción es que soy el administrador de la mejor idea que existe por quórum. Lo que generó el sentido de que me quieran llamar es la tremenda autoridad que emana del que se da cuenta que el otro tiene razón.

Para mí cuando hay una discusión, el que gana es el que se da cuenta que el otro tiene razón, porque adquirió conocimiento. Como productor soy un enorme aprendiz con capacidad administrativa.

¿Qué es lo que te tiene que mover para producir a una banda?

Que no se parezcan a mí en términos formales Me interesa mucho cualquier banda que no me gusta porque si me gusta, sé la fórmula y me aburre. El gusto es decorativo, es algo que ya probaste. Cuando mi gusto está confuso, no sé muy bien qué sabor tiene, es muy posible que esa banda me pueda seducir.

¿Por qué rescatas el valor del Demo?

Porque para mi no existe la idea de los demos, creo que si uno está grabando, está grabando. Y si hay algo de valor ¿por qué voy a volver a grabar? Esa idea de mejorar lo que no está roto, nunca me gustó. Creo en la terminación imperfecta, a mi me atrae lo asimétrico, lo horripilante y creo que la belleza no es perfecta.

Yo disfruto de la irregularidad que puedo estar expresando con lo que hago, porque sino puedo convertirme en Bon Jovi o Metallica o Madonna o Bjork. Hay tipos que parece que tienen onda y que hacen las cosas bien pero para mí no está bien. Creo que en general lo que define a alguien como persona y su estilo es la suma de sus errores.

Daniel Melero Contra Las Convenciones

A pesar de haber puesto teclados en OKTUBRE, Melero ha declarado abiertamente que no le gusta la música redonda y que el rock no tiene poder. Si en tiempos pasados el músico cambiaba su curso musical entre disco y disco, ahoraapuesta a trabajar en sentidos opuestos al mismo tiempo.

"Es una forma de desaferrarme de las pequeñas formulitas. Porque lo que veo en general, en la música que escucho, es que no existen contenidos diferenciados. En el rock sucede lo mismo. La diferencia entre los grupos que son auténticos y no lo son, no es musical sino una diferencia de actitud que por ahí tienen con las compañías grabadoras".

Entonces, para ejemplificar, apunta hacia una de las bandas más convocantes: "Si los Redondos componen la música que el sistema quiere escuchar, no me significa nada que sean independientes.

Lo que realmente querría es que hagan una música revolucionaria. De cualquier manera valoro una cantidad de actitudes de ellos más allá de eso. Pero lo que quiero decir es que su música nunca tuvo un contenido verdaderamente revolucionario. Entonces, se podría decir que en definitiva no hay tanta diferencia entre Soda Stereo y los Redondos".

La definición sin tapujos tiene una explicación: "El rock es definitivamente elitista y pertenece a una elite que tiene que ver con gente decepcionada, drogadictos trasnochados, músicos que ya no saben qué hacer, algunos artistas o pensadores y actores. A la gente le gusta el rock cuando ya más o menos se lo empaquetaron un poco. La experiencia rockera es difícil, es muy exigente y hay que estar muy decepcionado para bancársela. No es un lugar de tanto entusiasmo como se supone".

De los 90's sobrevivieron Babasónicos, Juana y El Otro Yo, ¿por qué muchas bandas se quedaron ahí?

Porque Argentina recién ahora está entrando en los 90s y de a poco se empieza a mover lo sónico.

¿El rock chabon tapó la movida sónica de ese momento?

Sí, en términos de mercado, porque el rock chabón es todo lo que cualquiera que no quiere pensar quiere escuchar. Pero lo que va a representar a los 90 son las bandas sónicas.

La música electrónica fue para Melero una tentación imposible de resistir y también se decidió a experimentar en ese terreno.

¿Ayudaste a crear una escena electrónica en Argentina?

No lo intenté. Fui el primero, si eso es ayudar... Si a algo ayudé es al rock, después si creyeron que era electrónica es un problema ajeno.

Alguna vez dijiste que te gustaría ser muy popular para ser una buena influencia …

Sí, pero logré algo mejor: fui una buena influencia sin ser muy popular. Yo no soy un personaje famoso pero soy exitoso… Digo: la fama te la dan y te la sacan, pero el éxito no, porque tiene que ver con vos, con como te sientas frente a tu obra.

Yo siento que fui exitoso y nunca vendí una cantidad enorme de discos. Desde que estoy en esto, vi a muchos artistas populares desvanecerse y yo acá estoy. Vi a mucha gente llenar estadios y ya nadie se acuerda de ellos. Y ni siquiera viven mejor que yo por haber hecho eso.

¿Cómo te resultó la experiencia de haber tocado en vivo con la computadora?

A mí me parece que es una manifestación de la época, pero yo asocio esa situación más con la multimedia que con la música.

¿Y la música del futuro, cómo la ves?

La música es inevitable. Creo que el territorio de experimentación es multimedia, no es ni la música sola ni el video.

2006-07-25T17:25:00.000-07:00

El Ultimo Punk - JG Ballard : Milenio Negro & Ficción Política

¿ Paranoico o Realista ? A los 74 años, y luego de 30 libros publicados, JG Ballard mantiene intacta su lucidez que se desgrana en una aguda mirada sobre un orden social cada vez mas cerrado. Algo que se aprecia en la reciente edición en castellano de MILENIO NEGRO, su ultima novela.

Encontarse con JG Ballard es como consultar a Casandra. Hace mas de 30 años, y desde su observatorio de Shepperton, el pequeño suburbio londinense en donde vive el escritor Ingles da a luz libros visionarios, descifra las zonas mas oscuras de un orden social cada vez mas restrictivo, y desvela los síntomas de un futuro que ya se conjuga en presente.

El que abre la puerta es una de esa típicas calles inglesas con casas y jardines idénticos, es un hombre elegante y jovial.

El ambiente esta colmado de objetos, entre los que agoniza una yuca que rodea con su tronco amarillento un escritorio rustico, también están diseminados los restos de una bicicleta fija y de algunas sillas plegadizas. Dominan la sala fotos de amigos que ya no están Francis Bacon - William Burroughs, rodeadas de postales algo mas triviales.

Es inevitable pensar que en este lugar, en el que tiempo parece no haber pasado, fue de donde en 1973, y a los 43 años, Ballard escribió Crash, una novela que muchos consideran su obra maestra y uno de los libros mas importantes del siglo XX : "Fue la experiencia mas difícil que tuve como escritor. escribía cosas terribles mientras mis hijos que todavía eran muy chiquitos jugaban alrededor mío. Era alienante. Después de esa experiencia, nunca mas quise sumirme en tal estado de tensión."

Accidentes de transito, cuerpos atravesados por acero ... "La primera novela pornográfica basada en la tecnología", afirmaba buena parte de la critica europea. Pero mas allá de géneros y clasificaciones, lo que si es seguro es que se trata de una novela gravitacional sobre el fetichismo del consumismo y el culto a la celebridad, que sin dudas debe de haber influenciado a Bret Easton Ellis en American Psycho.

Una novela que fue alabada por Will Self y Martin Amis, que fue llevada al cine por David Cronemberg en un film que, veinte años mas tarde, relanzo a Ballard y que a la vez, y de manera irónica, casi lo reduce a la figura de un escritor de una sola novela.

A los 74 años, Ballard tiene mas de 30 libros en su haber y no ha perdido nada de su agudeza. Milenio Negro, su ultima novela que salió en 2003 en Inglaterra con el titulo original Millenium People, ataca al mundo occidental, y su estilo de vida encarnado en la piel de los pequeños burgueses, en la clase media con aspiraciones progresistas.

Una novela que se sostienen una inevitable incapacidad para encarar cualquier tipo de cambio.

Si bien desde los 70's el estilo de Ballard se alejo de la pirotecnia de Crash, o de las experimentaciones de La Exhibición De Atrocidades , una novela fragmentada que fue venerada por su amigo Burroughs, Milenio Negro es una farsa política que carga con una ironía feroz.

Tomando en parte la estructura narrativa de Crash, con un narrador Alter Ego que se introduce en una sociedad secreta (David, acaba de perder a su Ex Esposa en un atentado en el aeropuerto de Heathrow, e intenta infiltrase en un grupo terrorista), Ballard hace gala, una vez mas de su inflexible análisis.

"Hemos llegado a un impas. La gente se embarca en movimientos contestatarios y, sin embargo, no tiene un compromiso real. Asi cualquier cambio verdadero es imposible".

La ironía del libro se ancla en esa distorsión que pasa, precisamente, por imaginar una revolución fomentada no por las clases mas apremiadas, sino por la clase media alta de Chelsea, que abandona su lucha cuando las fuerzas del orden cortan el agua y la electricidad de sus lofts, pero no sin antes, y bajo la influencia del maoísmo, haber atentado contra sus propios símbolos culturales.

"Atacan a la Tate Galery, a la BBC o a la cadena de librerías Waterstone, porque son hitos que representan la cultura burguesa incentivada por un estado que tiene como único propósito sumirlos en el letargo. La BBC representa el buen gusto y los buenos sentimientos, una forma de control, un modo de generar obediencia."

¿ Pero sus libros no se venden también en este tipo de librerías ? "Si, pero los estantes de Waterstone también están repletos de escritores convencionales que nos adormecen en lugar de hacernos reflexionar. Fomentan el Status Quo en el que nos han inmerso a fin de manipularnos. Es mas : La Cultura esta dirigida por el Estado ... Los Funcionarios saben que la clase media es peligrosa, y que si se reagrupa, hace una huelga o no paga sus impuestos, la sociedad entera se desintegra."

Paranoico o realista, pesimista o hedonista, le fascina los buenos vinos, y las escapadas a Francia o a Italia con su novia, Ballard no se hace demasiadas ilusiones. Los últimos brotes revolucionarios que representaron en el rock de los 60's, con los Rolling Stones o los Beatles, y el Punk en los 70's "El Ultimo Movimiento Contestatario", "Porque la gente no quiere mas revolución. De manera atroz, luego del lanzamiento de Crash, nos transformamos en conformistas. Antes erramos muchos mas libres."

¿ Casandra ? Mas bien un viejo Punk, todavía fascinado por SID Vicious & Johnny Rotten, que declina su particular presente del "No Future" en las casi 300 paginas de un tratado sobre el desengaño.

"Vivimos en una Dictadura. Nuestra libertad es una ilusión. Dios esta muerto. No tenemos ninguna gran Guerra Europea. La democracia se convirtió en un Chiste. Los Políticos son técnicos corruptos que gobiernan nuestros países como si manejaran grandes empresas. Lo único que nos queda es el Consumismo, pero el peligro es que después de eso, no nos queda nada ... " o queda lo peor : La Violencia.

La respuesta al Caos o a la despropósito del mundo contemporáneo seria un acto de violencia igualmente carente de sentido. "Esto ya sucedió. Basta con recordar la masacre de Columbine, e incluso los atentados del 11-S. ¿ Porque han hecho eso? Son actos que carecen de sentido".

La violencia, la brutalidad gratuita la misma que Ballard ha experimentado desde los 10 años cuando fue confinado junto a sus padres a un campo de concertación japonés.

Ballard nació en Shangai, en 1930, y se crió en un seno de familia que pasaba sus días en una residencia colonial con una decena de sirvientes y un chofer, mientras los chinos que rodeaban su barrio eran confinados a una pobreza extrema.

Luego del ataque japonés a Pearl Harbor, todo cambio de la noche a la mañana. La familia británica se encontró de buenas a primera en un ambiente minúsculo y privada de todo tipo de comodidades, igual que el pueblo chino lo había estado anteriormente.

"Me di cuenta de que no se puede creer en nada, que nada es seguro, incluso hoy conservo un gran escepticismo con respecto a la realidad. Después de las cosas terribles que vi en ese campo extremadamente violento, entendí que la Naturaleza Humana no esta gobernada por la razón. De no tener leyes, veríamos como es el ser humano. Una jungla, la barbarie misma : falta poco para que esta naturaleza salga a relucir."

Esta historia será condensada años mas tarde en EL IMPERIO DEL SOL (1984), su novela autobiografiíta adaptada al Cine por Steven Spielberg, quien irónicamente, filmo una parte en los estudios de Shepperton, a pocos metros de donde vivía Ballard, "Con mis vecinos como extras."

Por eso, no sorprende que el joven escritor, que llega a Londres en 1946, se haya sentido tan cerca de la Ciencia Ficción, primero, de la novela de anticipación, después, y hoy en día, de la ficción política.

"Mi infancia me llevo a buscar la verdad que se escondía detrás de las experiencias". Luego de haber puesto en evidencia los riesgos de las catástrofes ecológicas, la amenaza tecnológica, el advenimiento de un mundo sin sentimientos y el salvajismo sexual, cuanta que acaba de comenzar con una novela que aborda el consumismo.

Ya en 1996, ponía bien en jaque los gustos burgueses arremetiendo contra el turismo en NOCHES DE COCAINA, algunos años antes de que Michael Houellebecq publicara : "Aunque los Intelectuales no lo acepten, lo admiro mucho, mas que nada por las partículas elementales."

"La Revolución no vendrá de abajo sino de arriba, y dará lugar a una especie de Neofascismo. Ya vemos los gérmenes en Italia con Berlusconi, que controla todos los medios y logra manipular a la opinión publica, e incluso con Tony Blair, que nos manejo como quiso durante la invasión a Irak. Va a ser una especie de Autoritarismo Consumista. Nuestros gobernantes nos dictaran,sencillamente, que hay que comprar."

2006-07-15T17:18:00.000-07:00

ABSENTA

La absenta (del latín absinthĭum, y éste del griego ἀψίνθιον, apsinthion) es una bebida con alto contenido alcohólico (de hasta 89,9º) y con sabor muy parecido al licor de anís.

Se trata de un compuesto con base en hierbas y flores de plantas medicinales y aromáticas, con predominio de Artemisia absinthium o ajenjo (denominado también madera de gusanos).

Apodada la Fée Verte ("El hada verde"), esta bebida alcohólica es de ligero sabor anisado, con un fondo amargo de tintes complejos debido a la contribución de otras hierbas. Cuando se le añade agua, la bebida se transforma en la esencia lechosa louche.

Comenzó siendo un elixir en Suiza, pero donde se hizo popular fue en Francia debido a la asociación entre los artistas y escritores románticos que tomaban esta bebida en el París de la última parte del siglo XIX hasta que se produjo su prohibición en 1915. La marca más popular de absenta durante los años iniciales fue Pernod Fils.

Etimología

Las palabras francesa y española para la absenta se pueden referir indistintamente a la bebida o a la planta (existen dos especies así conocidas: la absenta grande, Artemisia absinthium, y la pequeña, Artemisia pontica). La palabra deriva del latín absinthium que a su vez proviene del Griego αψινθιον (apsinthion) y se puede traducir como no-bebible.

Existen raíces de la palabra enlazados a la palabra persa spand o aspand e incluso a la variante esfand en el que se denomina así a una hierba de gusto amargo.

Antiguamente esta planta se quemaba como signo de ofrenda y este ritual puede dar como pista sus orígenes protoindoeuropeos ya que en urdú la raíz *spend significa "llevar a cabo un ritual" o "hacer ofrendas".

No obstante, puede decirse que no queda clara ninguna de las posibles procedencias de la palabra absenta.

Composiciòn

La composición principal de esta bebida es el aporte de aromas de la planta Artemisia absinthium o ajenjo, el de las flores del hinojo y el anís. A esta triple composición se le ha denominado jocosamente "la santa trinidad". Dependiendo de los gustos aparecen en menores cantidades otras plantas tales

como: hisopo, la melisa y pequeña artemisa. Existen recetas en las que aparece la raíz de la angélica, hojas de cálamo, hojas de dictamnus, cilantro, verónica, hojas de enebro, nuez moscada, regaliz, así como diferentes hierbas de origen montañoso.

Elaboración

La maceración de la Artemisia absinthium sin destilación produce una bebida en extremo amarga, debido a la presencia de un compuesto soluble en agua denominado absintina.

Las recetas más auténticasdenominan a la destilación después de la primera maceración y antes de la maceración "del color". La destilación de la absenta en las flores del hinojo y el anís produce una solución alcohólica incolora que abandona el alambique con una concentración de cerca de 82% de alcohol.

Se puede ver que los colores típicos de esta bebida denominados poéticamente la Bleue (azúl) o la Blanche (blanco), o el muy famoso verde proceden de colorantes añadido a la bebida, que puede provenir de compuestos artificiales o de la clorofila de la propia artemisa añadida al líquido resultante de la destilación. Tras este proceso se reduce con agua para obtener la concentración deseada de alcohol.

Dependiendo del tiempo de exposición a la luz la clorofila puede variar de color desde el verde esmeralda pasando por un amarillo verdoso hasta un marrón. Esta es la explicación que la venta de absentas "vintage" muestren colores ambarinos como resultado de este proceso de envejecimiento y reacción a la luz.

Variantes

La variedades no tradicionales se han elaborado mediante una mezcla en frío de las hierbas y esencias alcohol. A veces se denominaba a este producto 'mezcla de aceites', este tipo de absenta no es necesariamente malo pero es considerado generalmente de inferior calidad que el de la absenta cuya elaboración procede de la destilación con su característico sabor amargo en el retro-gusto.

El contenido de alcohol en la mayoría de las botellas es extremadamente alto, ronda entre 45% y 89.9%, y no existen evidencias históricas que indiquen que las absentas que se comercializaron en el pasado fueran de concentraciones superiores al 74%.

Debido a esta fuerte concentración de alcohol y de componentes de las hierbas, generalmente no se tomaba "directamente" y por ello su consumo estaba unido a un ritual de preparación.

Históricamente ha habido cinco grados de absenta en orden creciente de contenido alcohólico: ordinaire, demi-fine, fine, supérieure y Suisse (que no denota su origen). La mayoría de las absentas del mercado contienen hoy en día entre 60% y 75% de alcohol.

Se menciona que esto es así para facilitar el almacenamiento. A finales del siglo XIX se elaboraban productos falsificados de absenta donde ocasionalmente se adulteraba con virutas de cobre, zinc o indigo con el objeto de dar color verde y sabores característicos. La adulteración con cloruro de antimonio para producir el efecto louché y junto con el dopaje de otros productos tóxicos contribuyeron a que la absenta tuviera una reputación de inductora a la alucinación.

No obstante conviene recordar que muchos de las hierbas empleadas en la elaboración pueden ser venenosas en grandes concentraciones. Es por esta razón por la que se aconseja en el uso de esta bebida no se beba sola.

Instrumentos

Tradicionalmente la absenta se servía en un vaso de cristal junto con la típica cuchara diseñada con perforaciones en la cazoleta.

Se servía además un cubo de azúcar que se depositaba en la concavidad de la cuchara que se sostenía en la parte superior del vaso. Junto con el vaso la cuchara y el azucarillo se servía una jarra de agua fría que servía para rebajar la mezcla de absenta y agua desde 3:1 (un tercio) hasta 5:1 (la quinta parte), y esto se hacía vertiendo el agua lentamente a través del azúcar.

Durante este proceso los componentes no son solubles en agua y el contenido debía beberse en un trago, la mezcla con agua proporcionaba un color a similar a la leche (opalescente) denominado con la palabra francesa louché (opaco, en francés).

Los vasos en los que se sirve la absenta son muy variados y exóticos, existen los vasos estándares y los más apropiados son los que tienen en el fondo una especie de abultamiento o burbuja con la medida habitual de una onza.

Lugares

Con el incremento de la popularidad se empezó a instalar en los bares una fuente de agua fría en el centro de las mesas, con sus grifos respectivos para que cada bebedor pudiera rebajar a placer la absenta servida siguiendo este proceso, permitiendo de esta forma que diferentes personas pudieran socializar en una única mesa.

Historia

Los orígenes de la absenta son inciertos, según la creencia popular la receta fue descubierta por un doctor de origen suizo llamado Dr. Pierre Ordinaire y que vivía en un convento en el año 1792 (la fecha exacta depende de la fuente). Las hermanas del convento vendían esta bebida como un elixir y de esta forma se dio a conocer.

El Major Dubied fue la primera persona que adquirió la receta procedente de las monjas y de esta forma en 1797 su hijo Marcellin y su hijo político Henry-Louis Pernod abrieron la primera destilería de absenta, Dubied Père et Fils, en Couvet. La popularidad de la bebida y su fuerte demanda hicieron que en 1805 construyeran una segunda destilería en Pontarlier bajo otro nombre: Maison Pernod Fils.

La popularidad de la Absenta fue creciendo intensamente hasta el año 1840 cuando se ofreció a las tropas francesas como un medicamento antipirético. Cuando las tropas retornaban del frente compraban esta bebida en los bares y bistros de la época.

En 1860 la absenta se hizo tan popular que muchos cafés y cabarets indicaban que a las 5 p.m. se producía la l'heure verte ("la hora verde"). Se convirtió por aquel entonces en la imagen principal del movimiento bohemio. En los años 1880 el precio se disparó considerablemente debido a la fuerte demanda. No obstante se consideró la bebida nacional de Francia a comienzos del siglo XX, en 1910, por ejemplo, los franceses consumieron 36 millones de litros de absenta por año.

La Controversia

La absenta ha sido una bebida que ha causado mucha controversia a lo largo de la historia. Dicha controversia se debe a que se cree que ingerir una cierta cantidad de absenta causa alucinaciones, por eso algunos países decidieron prohibirla. Con el tiempo -más de medio siglo- y su creciente demanda, los países empezaron a levantar las prohibiciones, eso sí, fijando unos límites máximos al contenido de tuyonas que no diera lugar a alucinaciones (además de causa de fallo renal). Actualmente está prohibida en algunos estados de EE.UU.

Los efectos de la absenta han sido descritos por los artistas y algunos prohibicionistas como una sustancia alucinógena y como provocadora de estados de locura. Ambas descripciones son una postura exagerada de lo que se puede denominar "efecto secundario" acerca del estado en blanco provocado por un exceso en la ingesta de tuyonas, el resto de efectos es el mismo que el abuso provocado por cualquier ingesta de alcohol en fuertes dosis.

Arte & Literatura

Los artistas de finales del siglo XIX y principios del XX, tales como Los Wilde, Van Gogh, Baudelaire, Manet, Picasso, Degas, Hemingway, entre otros, consumían absenta con el fin de inspirarse artísticamente para sus obras, ya que supuestamente inducía a la verborrea y la inspiración.

En 1888 Van Gogh, ebrio de absenta, se cortó el lóbulo de la oreja y se la dio a una joven meretriz. El adusto realismo de "L'Absinthe," tema popular entre artistas bohemios franceses, fue visto patológico por los críticos británicos, pero Picasso elevó la absenta a tema magistral en varias de sus obras. Hay una cita de Oscar Wilde que reza: "¿Cuál es la diferencia entre un vaso de absenta y el ocaso?" "What difference is there between a glass of absinthe and a sunset?"

Cine & TV

Muchos personajes la han bebido a lo largo de la historia del cine; Paul Verlaine aparece bebiéndola en Total Eclipse (1995).

En Deceiver (1997), el personaje de Tim Roth también la bebe.

En From Hell (2001), el inspector Abberline (Johnny Depp) mezcla láudano con absenta. En Moulin Rouge (2001), Christian (Ewan McGregor) la bebe cuando conoce a sus nuevos amigos bohemios, entre ellos Toulouse-Lautrec (John Leguizamo), también aparece en Van Helsing (2004) o en la readaptación de Alfie (2004).

Es un tema recurrente también en películas independientes como Murder by Numbers (2002) o EuroTrip (2004), donde la buscan un grupo de adolescentes por Bratislava. Una de las escenas más destacadas referentes a la absenta, proviene de la película Bram Stoker's Dracula con Gary Oldman y Winona Ryder.

Música

Beth Orton tiene una canción llamada "Absinthe" en su álbum de 2006 "Comfort of Strangers". La banda de metal progresivo Symphony X tiene unas canción llamada "Absinthe And Rue" en su álbum de début (1994). John Zorn con Naked City editó un álbum entero denomindado Absinthe en 1996.

Blood Axis y Les Joyaux De La Princesse produjeron en 2001 el álbum Absinthe: La Folie Verte, seguido del álbum en directo Absinthia Taetra.

El ritual de la absenta aparece en el vídeo de Nine Inch Nails, "The Perfect Drug", de su disco Death Cult Armageddon.

Marilyn Manson se jacta de haberse bebido una botella entera de absenta para la realización de sus discos.

Jason Webley sacó una canción en 1999 llamada "Absinthe Makes the Heart Grow Fonder".

El grupo británico The Damned sacó en 2001 una canción llamada "Absinthe".

El rapero irlandodanés LOC (Liam O´Connor) tiene una canción llamada "Absint" donde declara su gusto por el hada verde.

Leyes

En la actualidad la mayoría de los países no tienen una regulación acerca de la absenta (al igual que, por ejemplo, el whisky escocés o el coñac). Por lo tanto los elaboradores pueden etiquetar un producto como absenta sin saber el consumidor si está o no elaborado de la forma tradicional.

Unión Europea

La Unión Europea permite un nivel máximo de 10 mg/kg en las bebidas alcohólicas con más de un 25% y 35 mg/kg en alcohol etiquetado como amargo.[4] La mayoría de los países miembros regulan la producción bajo este marco. En algunos países como Francia han prohibido la venta de cualquier bebida que tenga la denominación "absenta", pero sin embargo el producto puede ser exportado.

La absenta se etiqueta como spiritueux à base de plantes d'absinthe Francia regula el Fenchone procedente del hinojo a un máximo de 5 mg/l. En España es legal su venta y distribución, al igual que en Suiza.

América

En otros países no europeos tales como Canadá regulan la cantidad de venta de botellas a una persona, sin embargo la importación en Estados Unidos está regulada y prohibida severamente. En otros países de Latinoamérica está prohibida su comercialización y distribución.

2006-07-15T14:05:00.000-07:00

TOP TEN : SOLISTAS

01. Johnny Cash

02. David Bowie

03. Nick Drake

04. Jeff Buckley

05. PJ Harvey

06. Cat Power

07. Elliott Smith

08. Ian Brown

09. Leonard Cohen

10. Nick Cave

TOP TEN : SOLISTAS

01. Antonio Carlos Jobim

02. Scott Walker

03. Lou Reed

04. Mazzy Star

05. Richard Hawley

06. Ryam Adams

07. John Cale

08. Serge Gainsbourg

09. Destroyer

10. Stuart Staples

2006-07-06T08:09:00.000-07:00

ASIA ARGENTO

Asia Aria Anna Maria Vittoria Rossa Argento nace en Roma (Italia) el 20 de septiembre de 1975.

La oficina de registro se rehusó a reconocer el nombre de Asia como un nombre apropiado, y en cambio la inscribieron oficialmente como Aria Argento.

Su madre es la actriz Daria Nicolodi y su padre es Dario Argento, un director, productor y guionista italiano bien conocido por su trabajo en el género italiano giallo y por su influencia en las películas modernas de Horror y Slasher.

Fue dirigida en uno de sus primeros trabajos Trauma (1993) por su padre, Dario Argento. Durante este filme tuvo sus primeras (de muchas) escenas de desnudos cuando tenía 18 años.

Se dedicó al graffiti urbano, escribe poemas, presentó su último film (dirigido por ella) en Cannes y se especializa en ignorar las pasiones que enciende a su paso.

Ha probado también su habilidad para trabajar en múltiples idiomas, agregando el idioma francés a la lista de idiomas en los cuales ha actuado, con un papel en La Reine Margot de 1994.

Hizo su primera incursión en la dirección, dirigiendo tras los cortometrajes Prospettive y A ritroso. En 1996, dirigió un documental sobre su padre, y en 1998 un segundo documental, esta vez sobre Abel Ferrara, el cual la hizo merecedora del premio del Festival de Cine de Roma.

Trabajo con importantes directores italianos (Giuseppe Piccioni, Carlos Verdone, Peter del Monte), y con Abel Ferrara en New Rose Hotel (1998), un film basado en un breve relato de William Gibson, junto a Christopher Walken y Willem Dafoe (con quien protagoniza una escena infartante en una piscina: como el pobre Willem Dafoe la ama, teme a sus músculos más que a tigres; una verdadera sensación de instantáneo apaciguamiento al primer movimiento brusco o tosco, una automática retirada al primer indicio de enfrentamiento sexual forzado, una inmediata sumisión al ejercicio gimnástico que Asia ponía en práctica sobre la superficie de su cuerpo), pero extrañamente se trata de un film que ni siquiera gusta a los más fanáticos de Abel Ferrara.

Protagoniza B. Monkey, de Michael Radford. El film se presenta como una versión femenina de Carlitos Way : lo que una delincuente desea por sobre todas las cosas es enamorarse y llevar una vida como cualquiera.

La tildaron de narcisista, hedonista salvaje y amoral por negarse a exhibir una condena más o menos explícita sobre los personajes protagónicos, que ella misma se ha reservado en sus dos películas como directora hasta el momento : Scarlet Diva (2000) y la más reciente The Heart Is Deceitful Above All Things (2004).

The Heart Is Deceitful Above All Things se presentó fuera de concurso en el último Festival de Cannes y está basado en una novela del mismo nombre del escritor norteamericano J.T. Leroy (que también escribió el guión junto con Asia).

Es la historia de una infancia vista por los ojos de Jeremiah y su madre Sarah, una mujer joven que se prostituye con los camioneros en el sur de los Estados Unidos. Jeremiah está obligado a adaptarse siempre a situaciones nuevas debido a las continuas pequeñas migraciones de su madre, entre moteles y strip-tease clubs poblados de personajes lúgubres, a la galería de padres de paso y a la creciente locura de Sarah. Pero algo hace que el niño conserve cierta pureza y cierto candor en su modo de mirar el mundo.

Hacen su presencia en el film Michael Pitt, Ornella Muti, Marilyn Manson, Peter Fonda, Winona Ryder. Algunos de los momentos más tenebrosos y como para que quede claro que ésta es una película punk, si las hay - filma al nene cantando, como poseído, “Anarchy In The UK”, de los Sex Pistols.

Su película favorita es Freaks, de Tod Browning. Su padre se la proyectó en una de las paredes de su casa cuando tenía cinco años, y desde entonces la vio más de 100 veces. Se sintió tan identificada con ella que de pequeña se llamaba a sí misma la freak (se veía fea, y todo por sus dientes torcidos).

Su ídolo imperecedero es Elvis Presley, pero no el muchachito del jopo engominado de los primeros años sino el gordo drogadicto. Y otra de sus obsesiones son las películas mudas.

Gus Van Sant la solicito para Last Days con Michael Pitt y Lukas Haas y recientemente filmó la cinta de Sofia Coppola María Antonieta junto a Kirsten Dunst y Jason Schwartzmann.

Selected Filmography

1993 Trauma

1994 La Reine Margot

1996 The Stendhal Syndrome

1998 New Rose Hotel

2000 Scarlet Diva

2004 The Keeper

2004 The Heart Is Deceitful Above All Things

2005 Last Days

2005 Cindy : The Doll Is Mine

2006 Marie Antoinette

2006-07-04T11:50:00.000-07:00

SOFIA COPPOLA

Directora, guionista, productora, actriz y diseñadora de vestuario estadounidense Sofia Coppola es hija del afamado director Francis Ford Coppola y de Eleanor Coppola, su abuelo es el compositor Carmine Coppola, su primo el actor Nicolas Cage y su tía la actriz Talia Shire. Tiene tres hermanos, Mary, Gian-Carlo y Roman.

Nacida el 14 de mayo de 1971 en Nueva York, desde niña inmersa en la industria cinematográfica, Sofia apareció en una película por primera vez como bebé en “El Padrino” (1972), título dirigido por su padre.

Años después y en ocasiones acreditada como Domino intervino en otros filmes de Francis Ford Coppola, como “El Padrino II” (1974), “Rebeldes” (1983), “La ley de la calle” (1983), “Cotton Club” (1984) o “Peggy Sue se casó” (1986).

También formó parte del reparto del corto dirigido por Tim Burton “Frankenweenie” (1984).

En 1989 escribió su primer guión, colaborando con su padre en el texto de un segmento de la película “Historias de Nueva York”. También se ocupó de diseñar el vestuario, tarea que haría también para “El espíritu del 76” (1990), comedia retro escrita por su hermano Roman, dirigida por Lucas Reiner y protagonizada por David Cassidy y Olivia D’Abo.

La película, que recreaba la década de los 70 con humor, también incluía en su reparto a los hermanos Jeff y Steve McDonald, líderes del grupo de rock Redd Kross e íntimos amigos de Roman y de Sofia, quien apareció desnuda en la portada de uno de sus Lps, “Third Eye”.

En 1990 intervino con un papel más importante en “El Padrino III” (1990), recibiendo un sonado varapalo crítico por su interpretación como Mary Corleone.

En 1998 debuta como directora al estrenar el corto “Lick the star”. Un año después contrajo matrimonio con

el director Spike Jonze (“Como ser John Malkovich”), pero la relación terminaría a finales del año 2003.

Con “Las vírgenes suicidas” (2000), una agridulce fabulación sobre el destino de un grupo de hermanas, reveló un destacado talento para la creación atmosférica y la indagación psicológica en ambientes de carácter lastimero, confirmado con su segundo film, “Lost in traslation” (2003), una película protagonizada por Bill Murray y Scarlett Johansson que le valió un Globo de Oro al mejor guión y a la mejor película de comedia.

También en el año 2003, Sofia Coppola creó y produjo la serie de televisión “Platinum”, centrada en dos hermanos que poseen un sello discográfico de Hip Hop.

Con la nominación como mejor directora por “Lost In Traslation”, Sofia fue la tercera mujer (y la primera estadounidense) en la historia del cine en ser nominada en esta categoría al premio Oscar.

Su última película hasta la fecha es "Marie Antoinette" (2006), adaptación de la biografía de la última reina de Francia escrita por la historiadora británica Antonia Fraser. La actriz Kirsten Dunst interpreta en papel de la reina, y el actor Jason Schwartzman (primo de la directora) interpreta el papel de Luis XVI..

Filmografia

2000 Las Virgenes Suicidas

2003 Lost In Traslation

2006 Marie Antoinette

PERDIDOS EN TOKIO

“Quien no sabe poblar su soledad, tampoco sabe estar sólo entre una multitud atareada" Charles Baudelaire

Perderse, es un acto mal visto por la sociedad. Después de todo, ésta siempre nos marca caminos estrictos que debemos seguir, no sólo para no perdernos, sino también para ser prósperos, respetados y llegar a ese concepto tan ambiguo llamado “éxito”. Para esta sociedad, una persona perdida es simplemente aquella que ha rechazado el camino recto, en pos de esa elección imperdonable de la búsqueda interior.

Sofia Coppola fue desde siempre una chica perdida y callada. Con una infancia que tiene como álbum de fotos a obras maestras en 35mm que son patrimonio de la humanidad, Sofia eludió sagazmente el ineludible peso de la herencia paternal. Si bien desde que tenía contados días de vida había quedado inmortalizada en el celuloide, sólo levantó la voz cuando tuvo algo que decir. Mientras tanto, ella se quedó perdida, rechazando el camino.

“Perdidos en Tokio”, es el segundo largometraje dirigido por Sofia Coppola, y el que viene a confirmar las cualidades únicas que se dejaban entrever en su ópera prima “Las Vírgenes Suicidas”, adaptación de la novela de premio Pulitzer Jeffrey Eugenides.

Aquí, Bob Harris (un desbordante Bill Murray, genial hasta en el gesto más mínimo) es una estrella de cine de cincuenta y tantos años, que habiendo ya pasado su período de juventud y esplendor, sigue siendo una persona “exitosa”, a quien le ofrecen en filmar en Tokio un comercial, mediante una propuesta monetaria imposible de rechazar.

Sin embargo, detrás de esa sensación de hombre con todo en la vida, se oculta una persona perdida, que a extraviado los vínculos con sus afectos, sueños y utopías. En esa misma ciudad se encuentra Charlotte (Scarlett Johansson, un talento luminoso y una belleza atípica para los parámetros Hollywood), con tres décadas menos que Bob, pero igualmente perdida en la vida. Su esposo (Giovanni Ribisi), es un desenfrenado fotógrafo cool, con quien puede encontrar más lazos en las fotos instantáneas que en la compañía diaria.

Así, Bob y Charlotte, esos extraños perdidos, se encuentran además atrapados en una ciudad supermoderna, radiante, pop y repleta de códigos inentendibles para ellos.

Con su posición primordialmente sentimental, introspectiva y minimalista, Sofia (permítanme llamarla por su nombre de pila) se desembaraza fácilmente del peso paternal, más afecto a la intelectualidad y la magnificencia. La suya es una sincera mirada femenina, que alejada del feminismo busca abordar lo humano desde lo emotivo. Esa emotividad, esa búsqueda de los grandes temas personales, es felizmente endulzada con un humor cálido y sencillo, representado principalmente en la primera mitad de la película por Bill Murray.

Además, Sofia marca un sello de estilo con la utilización de la música, que lejos de ser un accesorio necesario, se torna en un elemento narrativo primordial en el abordaje de climas y estados de ánimo. Aquí el pop climático comandado principalmente por Kevin Shields (ex My Bloody Valentine, un perdido del que ya sospechábamos que no volveríamos a saber nada) y con certeros aportes Air, Death in Vegas y Sebastien Tellier, entre otros, es multilingüe y universal.

Sin embargo, una de las escenas a recordar es aquella en que Bob y Charlotte se sumergen en ese juego de simulación de la felicidad que es el karaoke. Allí la interpretación de Bob del clásico de Roxy Music ’More Than This’, es un acto de desgarramiento interior de quien pide por “algo más que esto”.

El inteligente planteo de Sofia Coppola, es que juntos con sus soledades, Bob y Charlotte no dejan de ser personas muy diferentes, de mundos separados generacionalmente. Así, la relación se posa en lo romántico, en la contemplación y en el convencimiento que lo suyo está signado por lo imposible. Y no importa, no hay palabras ni explicaciones, porque ellas sobran.

Así, a diferencia de sus colegas generaciones norteamericanos, Sofia Coppola evidencia la influencia que ha tenido en ella el cine oriental, sobre todo las obras de Wong Kar Wai, con quien es imposible no buscar puntos de conexión de este film con la genial ‘Con Animo de Amar’.

“Perdidos en Tokio” es una película sobre seres perdidos en un lugar de este mundo, pero sobre todo perdidos en la traducción de lo que el alma les dictamina.

Así, luego de muchos caminos recorridos, la gran Sofia Coppola al fin encontró su voz, la de traductora de esos sentimientos universales, como la soledad, el amor, la amistad y el cariño.

Al no esbozar respuestas, sino simplemente plantear las preguntas, Sofia nos deja con la grata sensación de que podemos sentirnos solos en nuestros mundos, pero estamos ciertamente acompañados en esa soledad. Y ello no está nada mal.